miércoles, 31 de agosto de 2016

TOM FRIEDMAN, MIRAR HACIA ARRIBA

Un gigante, cuya altura supera los 10 metros, se ha ‘plantado’ en la mediana de Park Avenue, a la altura de la calle 53.
Se trata de “Looking Up” (“Mirar hacia arriba”), una creación artística deTom Friedman. Una figura antropomorfa con extremidades alargadas y con su cabeza inclinada hacia arriba, quizá observando los grandes rascacielos de oficinas que la rodean.
Este gigante, cuya envergadura alcanza prácticamente los 3 metros y medio, fue creado utilizando una impresora 3D. Posteriormente fundido en acero inoxidable y recubierto de metales maleables aplastados como: tostadoras, moldes de repostería, papel de aluminio…
La escultura permanecerá expuesta en Park Avenue hasta el próximo mes dejulio.
Imagen: The Fund for Park Avenue.



ROBERT INDIANA


¿Dónde están las esculturas LOVE y HOPE?

Para ver las esculturas de Robert Indiana en Nueva York, tendrás que desplazarte hasta Midtown Manhattan:
  • La escultura LOVE está en la esquina de la 6ª Avenida con la calle 55. La dirección exacta es 96 W 55th St, New York.
  • La escultura HOPE está en la esquina de la 7ª Avenida con la calle 53. La ubicación exacta es 222 W 53rd St, New York.
Como ves, están tan cerca la una de la otra, a solo 6 minutos a pie, que puedes verlas de una sola vez. Otro buen plan es aprovechar para visitar el museo MoMa, que también queda a pocos minutos, donde podrás ver expuestas otras obras del artista. Otro museo genial donde disfrutar de la obra de Indiana esel Whitney Museum.

Apúntate: El museo MoMa está incluido en la CityPASS y la New York Pass, y un día a la semana ofrece entrada gratuita.
Dónde está la escultura HOPE de Nueva York
La escultura HOPE de Nueva York
Dónde está la escultura LOVE de Nueva York
La escultura LOVE, en la calle 55 con la 6ª Avenida

La historia de LOVE

De hecho, ¿sabías que el diseño de LOVE nació gracias a un encargo del MoMa? El museo contrató a Robert Clark (que se hace llamar Indiana por su estado natal) para que diseñara la postal navideña de 1964. La imagen original, en la que las letras rojas estaban superpuestas a un fondo azul y verde, fue un éxito absoluto, y desde entonces, no ha dejado de reproducirse.
Indiana construyó la primera escultura a semejanza de las letras en 1970. Hoy en día, la pieza original está expuesta en el Indianapolis Museum of Art, pero se ha convertido en tal símbolo que hay esculturas por todo el globo (aquí tienes una lista completa). Se han traducido a otros idiomas, como el español, el italiano, el hebreo o el chino, y se han creado variantes, como la palabra hope (‘esperanza’).
Esculturas-Love-y-Hope-Nueva-York
El sello creado por Correos y el doodle de Google
Encontrarás las letras en sellos, estampados, carteles… La oficina de correos de los Estados Unidos las convirtió en un sello en 1973, los hippies las tomaron por bandera, los skaters las hicieron suyas para protestar contra la prohibición de patinar en el Love Park de Philadelphia (donde se encuentra otra de las esculturas del artista)… ¡E incluso Google se inspiró en ellas para su doodle de San Valentín!
Ahora que conoces la historia detrás de esta romántica obra, ¿visitarás las esculturas LOVE y HOPE en Nueva York?  

Escultura LOVE en Nueva York


ERIC ANDRÉ NOS MUESTRA EL ARTE PÚBLICO DE NUEVA YORK

Eric André somos todos tratando de hacer sentido de Arte Público

Eric André con el desfile de bienvenida de Jean Dubuffet en el edificio Seagram en Park Avenue.
Eric André con la de Jean Dubuffet desfile de bienvenida en el edificio Seagram en Park Avenue, enun video por el buitre . (Foto: Captura de pantalla a través de buitre)
Si estamos siendo completamente honesto, la mayoría de los neoyorquinos son apenas conscientes de la luz de señal cuando cruzan la calle, no importa conocedor y pertinaz sobre la plétora de arte público de clase mundial, que siembra de nuestro paisaje urbano. Cue comediante Eric André, cuyo  éxito homónimo espectáculo en Adult Swim es ahora en su cuarta temporada . La semana pasada, André golpeó el pavimento con Buitre para resaltar la apatía de los neoyorquinos de arte público en vídeo de corta duración que Engancha esculturas icónicas de pieza de estilo pop de Robert Indiana  esperanza de instalación temporal Elmgreen y Dragset  Oreja de Van Gogh , que cuenta con una piscina activado su lado en el Rockefeller Center.
El consenso? Cerca del centro de un grupo difícil, y André es casi el mayor fan de las maneras en que nuestros dólares de los contribuyentes se han gastado para embellecer Park Avenue. Básicamente, él dice lo que muchos de nosotros son simplemente demasiado miedo de admitir y es hermoso a la vista.
De la Esperanza , André y sus entrevistados son en gran parte poco impresionado, y lo mismo pasa con 33 pies de altura, la figura de acero inoxidable de Tom Friedman, titulado Mirar hacia arriba . "Es un asco, ¿verdad?" André pide a un hombre de pasada, y se presenta como un representante de la oficina del Alcalde Bill de Blasio.Con gracia, el hombre responde: "Sí, lo hace."
Vale la pena señalar que las esculturas basadas en texto de Indiana se han convertido en algunos de los más reconocibles y omnipresente en el mundo desde que comenzó a trabajar en la década de 1960. Su escultura Filadelfia  Amor es aunque sea sinónimo de imágenes de postal de la ciudad y sus letras en rojo y azul negrita han sido asignados a través de la cultura pop en los últimos años. Así que el hecho de que el promedio de la Citygoer encuentra la obra de Indiana "aburrido" es, así, es totalmente sorprendente. Mira, los neoyorquinos tienen altas expectativas, y por qué no debería aplicarse a que nuestro arte público también? Su lógico entonces que la gente reaccionó positivamente a las sugerencias de imitación de André que la ciudad planea alterar el trabajo de Friedman para incluir los genitales y un mecanismo de pedos. Nuestro arte debe hacer algo , maldita sea! Y eso es exactamente la razón por la rotación de Tony Rosenthal Cubo escultura en lugar de Astor será por siempre un lugar especial en mi corazón simplemente por su capacidad para girar sobre un eje con un poco de grasa del codo.
André va a aplicar su marca sin tabúes de la comedia a otras obras como de Jean Dubuffet Bienvenido desfile , que se compara con una visualización del virus H1N1 visto bajo un microscopio. Una evaluación justa. Es aquí donde surge la gran pregunta: "¿Qué quiere decir, el arte?" Al menos un tipo tiene una respuesta: "absolutamente nada". Tome worlders Stock Art.
En cuanto a Everclear y Dipset-chillidos, André quería decir Elmgreen y Dragset-el guardia de seguridad encargado de la guardia de vándalos ha hecho su lectura, y correctamente identifica la obra como una oda suelta al apéndice faltante del famoso pintor holandés. Él también pasa a estar en servicio debido a las esculturas de los artistas han provocado respuestas violentas en el pasado. Su instalación en Texas 2005 titulado Prada Marfa  fue disparado y graffiti, Elmgreen dijo a The Guardian en marzo.  Teniendo en cuenta el daño a los neoyorquinos famoso infligido a Richard Serra Arco Bajo el título cuando se instaló en 1981, que nunca puede ser demasiado cuidadoso.
André sirve lo mejor para el guardia informado cuando se le pregunta si puede haber una conexión metafórica entre oreja cortada de Van Gogh y el caso de la supuesta tramposo John Wayne Bobbit, que perdió su pene en 1993, cuando su esposa tomó la justicia en sus propias manos con un cuchillo de cocina. "¿Es arte?" André le pregunta al guardia con una sonrisa. "Sin comentarios", la Guardia respuestas.Vamos, los críticos! Decir lo que piensa
observer.com

martes, 30 de agosto de 2016

Lamas Capital Folklorica de La Amazonia Peruana

Boa en la Selva Amazónica del Perú

Los Asháninkas en la selva amazónica peruana

JOCHEN VOLZ:" LA 32a BIENAL DE SÁO PAULO, UN PROCESO COLECTIVO"

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Jochen Volz: "La 32ª Bienal de São Paulo ha sido un proceso colectivo que comenzó hace más de un año"

Cortesía de la Fundação Bienal de São Paulo | Jochen Volz: "La 32ª Bienal de São Paulo ha sido un proceso colectivo que comenzó hace más de un año"
Cortesía de la Fundação Bienal de São Paulo | Jochen Volz: "La 32ª Bienal de São Paulo ha sido un proceso colectivo que comenzó hace más de un año"

"Entiendo el proceso de organizar una Bienal no es tanto un proceso de selección, sino más bien un proceso constructivo, donde ciertas posiciones artísticas se vuelven relevantes en su diálogo con las demás".

  • Gustavo Perez Diez
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"INCERTEZA VIVA es un proceso colectivo, que comenzó hace más de un año e involucró a profesores, estudiantes, artistas, activistas, científicos y pensadores... Pero también es un proceso colectivo a punto de comenzar".
'Reflexionar sobre las condiciones actuales de vida y las estrategias que ofrece el arte contemporáneo para albergar o habitar en la incertidumbre' podría servir como sucinto resumen del concepto curatorial de la próxima 32ª Bienal de São Paulo, la más veterena e importante de todas las que se celebran en Latinoamérica y una de las principales del mundo, que tendrá lugar, del 7 de septiembre al 11 de diciembre, en su habitual sede, el Pabellón Ciccillo Matarazzo, reuniendo cerca de 90 artistas y colectivos de artistas de 33 países.
Gustavo Pérez Diez, redactor jefe de ARTEINFORMADO, ha conversado vía e-mail con su curador general, el alemán Jochen Volz (Braunschweig, 1971), sobre los aspectos más relevantes del concepto curatorial, el destacado papel desempeñado por los miembros del equipo curatorial, el proceso empleado para la selección de artistas, así como otros temas como son la importancia del arte en la educación y, también, debido a la fuerte crisis económica que golpea el país, sobre el complicado momento que vive la escena artística brasileña tras años de bonanza.
Sin duda, Volz, que se expresa en un perfecto portugués, es un buen conocedor de esta escena dada su ligazón al Instituto Inhotim, en Minas Gerais, un centro impulsado por el influyente coleccionista brasileño Bernardo de Mello Paz, donde, desde 2004 y hasta la actualidad, ha ocupado distintos cargos curatoriales, y, claro está, por estar casado con la artista brasileña Rivane Neuenschwander, una de las más destacadas de la escena nacional e internacional.
Por otro lado, considerando su papel en la bienal paulista, como curador general de esta 32ª edición y como curador invitado de la 27ª edición de 2006, donde realizó un proyecto especial en homenaje al artista belga Marcel Broodthaers -próximamente el Museo Reina Sofía de Madrid inaugurará una una gran retrospectiva sobre su obra-, así como su co-curadoría en la 53ª Bienal de Venecia de 2009 puede decirse que nuestro entrevistado ha sido curador de las dos bienales más antiguas del mundo. A continuación tiene sus respuestas completas y pinchando aquí la versión original en inglés.
ARTENFORMADO (AI): Podría explicarnos un poco el concepto de la próxima 32ª Bienal de São Paulo?. Especialmente el título elegido "Incerteza viva", el cual, por otra parte, no podría ser más apropiado dado el crítico momento que atraviesa Brasil.
Jochen Voltz (JV): El título de la 32ª Bienal de São Paulo, INCERTEZA VIVA (Live Uncertainty) propone mirar a las nociones de incertidumbre y las estrategias que ofrece el arte contemporáneo para abrazarla o habitarla. Mientras que la estabilidad se entiende como un remedio contra la ansiedad, la incertidumbre generalmente, se evita o rechaza. Las artes, sin embargo, siempre han jugado en lo desconocido. Históricamente, el arte ha insistido en vocabularios que permitan la ficción y la alteridad, y habita en la incapacidad de los medios existentes para describir el sistema del que formamos parte.
La incertidumbre en los momentos del arte para la creación, teniendo en cuenta la ambigüedad y la contradicción. El Arte se alimenta de azar, improvisación y especulación. Crea margen para el error, para la duda e incluso para las temores más profundos, sin eludirlos o manipularlos. El arte se basa en la imaginación, y sólo a través de la imaginación nosotros seremos capaces de imaginar otras formas narrativas para nuestro pasado ??y nuevas vías en el futuro.
AI: Una de esas incertezas es como la tecnología está cambiando nuestra vida cotidiana. ¿Qué hay de bueno o malo en la gran presencia de las nuevas tecnologías en el arte, especialmente, en el arte joven?.
JV: Pero la discusión de incertidumbre también incluye procesos de desaprendizaje y requiere una comprensión de la diversidad de conocimientos. Describir lo desconocido siempre implica interrogar lo que damos por sentado como se conoce y valorar los códigos científicos y simbólicos como complementarios y no excluyentes. Creo que es difícil pensar en dicotomías de bueno y malo por más tiempo.
AI: El equipo curatorial está integrado por la sudafricana Gabi Ngcobo, la brasileña Júlia Rebouças, el danés Lars Bang Larsen y la mexicana Sofía Olascoaga. ¿Cúal ha sido la contribución de cada uno de ellos al proyecto?.
JV: Hemos estado trabajando juntos desde marzo de 2015, y todo el proyecto ha sido desarrollado en colaboración. Todos nosotros tenemos muy diferentes experiencias para aportar al proyecto, pero todos nosotros compartimos el deseo de que la 32ª Bienal de Sao Paulo es para producir realidad, promover la diversidad, ejercer el pensamiento crítico, crear audiencia y articular argumentos.
Cada curador organizó un viaje de investigación con 'Jornadas de Estudio', que constó de distintos seminarios para discutir el marco temático de la Bienal con el público en general y profesionales de diferentes disciplinas. Lars Larsen propuso Jornadas de Estudio en Santiago de Chile, para estudiar cosmologías y la relación imbricada del arte y la ciencia, el mito y la historia para debatir de Fantasmas, Inteligencia Colectiva, Sinergia, Ecología y Miedo.
Gabi Ngcobo propuso un viaje a Accra, en Ghana, un punto de retorno de esclavos brasileños, un sitio de bucles y retornos, proyecciones y sueños colectivos. Sofía Olascoaga organizó Jornadas de Estudio en Lamas, un enclave importante en la selva amazónica peruana, un lugar que indaga muchas capas de historias y educación, conexiones imbricadas entre la naturaleza y la humanidad.
Julia Rebouças desarrolló las Jornadas de Estudio en Cuiabá, en el centro de América del Sur, capital del estado de Mato Grosso, la tierra del Cerrado, uno de los biomas más ricos y frágiles, que también resulta ser la tierra de los suelos agotados, de las especies desaparecidas y las poblaciones indígenas borradas, un lugar donde discutimos la extinción y la conservación, la abundancia y la sequía.
Por último, organizamos un seminario en São Paulo, donde discutimos las relaciones entre la naturaleza y la política, diferentes formas de construcción, arte y activismo. Cada una de las cinco Jornadas de Estudio contribuyeron a nuestra forma de pensar a través de la exposición, los temas propuestos indican una línea específica de investigación que va de la mano con el interés especial de cada curador. Pero esto no puede reanudar la cantidad de trabajo y los cruces que hemos desarrollado juntos.
INCERTEZA VIVA es un proceso colectivo, que comenzó hace más de un año e involucró a profesores, estudiantes, artistas, activistas, educadores, científicos y pensadores en Sao Paulo, en Brasil y más allá. Pero también es un proceso colectivo a punto de comenzar. Así como el arte de forma natural une pensamiento con acción, reflexión con acción, es sólo a través del encuentro del público con las obras, las muchas acciones y los programas públicos y educativos de la Bienal en los próximos meses de donde emerge la verdadera riqueza de INCERTEZA VIVA.
AI: ¿Cuál ha sido el criterio o proceso de selección de artistas?. ¿Los artistas de qué países van a impresionar al público más?.
JV: El papel de la Bienal, como una fundación independiente, es ser una plataforma que promueve activamente la diversidad, la libertad y la experimentación, mientras ejercita el pensamiento crítico y produce una realidad alternativa. Estamos comprometidos a asegurar y defender un espacio plural, donde las perspectivas autónomas pueden dialogar. Creemos firmemente en el papel transformador del arte, ya que posee una integración inherente de pensar y hacer, la reflexión y la acción.
Entiendo el proceso de organizar una Bienal no es tanto un proceso de selección, sino más bien un proceso constructivo, donde ciertas posiciones artísticas se vuelven relevantes en su diálogo con las demás. Estamos trabajando con 81 artistas y colectivos de artistas de 33 países.
AI: Existe un consenso dentro del gremio curatorial de que una bienal hoy debe tener una función educativa para un público entendido en arte y un público general. ¿Son los actuales Bienales un lugar que ayuda a crear y definir la cultura, o responder a la cultura contemporánea? ¿Cómo ve usted la importancia de la educación artística?.
JV: Es muy importante entender cuidadosamente porqué una bienal está siendo organizada y para quién. No todas las bienales tienen la misma audiencia, y São Paulo tiene específicamente una audiencia predominantemente de 'usuarios de museos' no experimentados, lo cual es un enorme privilegio y responsabilidad. Por tanto, hemos estado trabajando muy de cerca con el Equipo Educativo de la Fundação Bienal de São Paulo para pensar en los programas adecuados, actividades y materiales. Sí, este trabajo es clave para una Bienal, pero yo diría que incluso más amplio para hacer la exposición en general.
AI: La última pero no menos importante. Vimos las protestas de los artistas brasileños causadas por la disolución del Ministerio de Cultura de Brasil, finalmente, se restauró de nuevo. ¿Qué nos puede decir sobre la escena del arte brasileño en este momento después de años de gran actividad y éxito ?. ¿Qué cambios cree que se podrucirán en el futuro?.
JV: Durante los últimos meses, el escenario político en Brasil se ha ido convirtiendo cada vez en más inestable. En este contexto, vemos que las preguntas que instigaron INCERTEZA VIVA han crecido en dimensiones que resuenan fuertemente con la situación política desplegada. Estamos observando de cerca las formas energéticas de movilización en las que actualmente participan gran parte de la población, más allá de la clase política y la política parlamentaria. Muchas de las cuestiones culturales y sociales que están en juego en este momento han sido parte de las consideraciones temáticas de nuestro proyecto y en este panorama son focos de urgencia adicional.
INCERTEZA VIVA se siente en todas partes. Es una condición que se infiltra en nuestras cabezas, nuestros cuerpos, las calles, el mercado, el bosque o los campos. Es contagiosa; genera imágenes, sonidos, olores, inestabilidad y también entusiasmo y curiosidad. Se puede conectar a las realidades sociales y mentales, a métodos artísticos, epistemología y una imaginación ingobernable.

GALERÍA DE IMAGENES

  • Equipo curatorial de la 32ª Edición. Cortesía de la Fundação Bienal de São Paulo | Jochen Volz: "La 32ª Bienal de São Paulo ha sido un proceso colectivo que comenzó hace más de un año"
  • Cortesía de la Fundação Bienal de São Paulo | Jochen Volz: "La 32ª Bienal de São Paulo ha sido un proceso colectivo que comenzó hace más de un año"

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