sábado, 28 de noviembre de 2015

PLAN NACIONAL DEL PROTECCIÓN INTEGRAL CONTRA LA VIOLENCIA EN LAS MUJERES

15:48 › DE LA ONG Y LA FUNCION PUBLICA

Fabiana Túñez: “Será un desafío por ellas”

La directora de la asociación civil La Casa del Encuentro será la titular del Consejo Nacional de las Mujeres (CNM), según lo confirmó la futura ministra de Desarrollo Social de Nación, Carolina Stanley. Fabiana Tuñez adelantó que su prioridad "será reglamentar y poner en marcha" el plan nacional de Protección Integral contra la Violencia contra las Mujeres.

"Estoy muy contenta y agradecida con el ofrecimiento de Carolina Stanley para hacerme cargo de esta nueva etapa del Consejo, que será un espacio de diálogo, de puertas abiertas para escuchar propuestas de todo el movimiento de mujeres para que podamos construir juntas", resaltó Tuñez a la agencia Télam.
Según dijo, pondrá el plan nacional contemplado por la ley 26.485. "Este instrumento nos da el marco para pensar y ejecutar las políticas públicas pendientes para erradicar la violencia de género", agregó la futura funcionaria que es consciente "que hay trabajo arduo por hacer".
Tuñez aseveró que "el trabajo será en equipo, como lo vengo haciendo en todos los años que llevo como dirigente social, trabajo que debemos consensuar con la futura ministra". "Estoy feliz porque el Consejo Nacional de las Mujeres continúa, y más fuerte que nunca, desde una concepción que priorizará los derechos humanos, los derechos de mujeres, niñas y niños", añadió
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Joel Peter Witkin, el artista contemporáneo que evoca su obra desde lo m...

Joel-Peter Witkin's Artwork

LAS FOTOGRAFÍAS MORTALES EN LA DIVINA ALTAR

Las fotografías mortales en La Divina Altar

Dr. Kubilay Akman

Fotógrafo estadounidense Joel-Peter Witkin (Brooklyn, Nueva York, 1938) proporciona imágenes agotador con la expresión más ligero. Estamos llegando cara a cara con el puño de escota problemática complicada en la vida, la muerte, la historia del arte, las religiones, el cuerpo, el dolor y el placer mientras ve sus obras de arte.
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Como mi colega español Joan Fontcuberta declaró (el editor de la revista Photovision) en este cuarto de siglo el mundo pasó de la era "absurdo" en la era de "horror". ** Ciertamente el contagio de extremenesses estilo americano a través de los medios de comunicación tiene un papel muy importante esta transformación. No sorprende a las nuevas perversiones, socialidades extremos más. Oímos nuevos ejemplos de la perversión y situaciones extremas cotidiana social y casi llegamos a la posición de que nunca se conmocionó por ellos. Televisores y periódicos están llenos de las imágenes de horror.
Tal vez el arte de Witkin es básicamente alimentada por la transformación de la atmósfera social / cultural, de "absurda" en "el horror". Detrás de los halos irreales un espejo se dirige a los lados extrañas, misteriosas y oscuras del mundo en que vivimos, con una forma muy estilizada.
Supongo Witkin que compone muertos, cuerpos extraordinarias, travestis, diferentes objetos fetichistas y animales en sus fotografías se ve influida por ser miembro de la sociedad estadounidense, así como sus experiencias individuales sobre su orientación en las cosas extremas, radicales y mortales. Fue testigo de un accidente de tráfico cerca de la casa, mientras que él era un niño todavía. Vio la cabeza de una niña sundered y rodó. Era una escena, que horrorizó al fotógrafo del futuro. Una vez más en estos años su padre le mostró algunas fotografías de la vida y mirar revistas, Daily Mirror y News. Hay una comunicación entre ellos que se realiza a través de miradas sin palabras. Su padre, que es un cristalero nunca puede tomar fotos como ellos. Él deseaba que su hijo iba a entrar en este campo un día por su lugar. Y el niño respondió a su padre como dije "sí, yo lo haré", con sus miradas.
Más tarde, sus experiencias en varios estados de los Estados Unidos y los países europeos durante su servicio militar (en la primera mitad de los años 60) como una foto-técnico y fotógrafo documental afectarían en la determinación de su camino artístico. Witkin tomó las fotos de soldados que murieron en accidentes de tránsito y suicidios en este periodo. Las muertes que presenció no le perturban.Según el artista, no la muerte, la capacidad humana para institucionalizar la violencia es preocupante en la realidad.
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Witkin que estudió primero la escultura en la Escuela de la Unión de Arte (Nueva York), más tarde estudió fotografía y la historia del arte en la Universidad de Nuevo México (Albuquerque), investigado en el poema en la Universidad de Columbia con una beca, logró combinar su sólida formación académica con un sensibilidad mística. El artista viajó a la India en sus años de juventud para aprender nad Yoga que ha salvado su interés para las religiones orientales siempre. Witkin piensa que es la tristeza que en nuestra época "estamos separados de la maravilla, el misterio y la sensación de destino un poco más cada día." Por esta razón, en la obra de Witkin que satiriza las obras maestras occidentales hay una parte religiosa / mística siempre . Él considera su arte como un vehículo para su purificación y súplicas individual será ofrecido a Dios en el altar divino cuando él morirá. Al mismo tiempo, estos trabajos también pueden ser considerados como elementos críticos que toman su energía de una argumentación religiosa, así como la deconstrucción de toda la historia del arte contra la hipocresía de las sociedades modernas que enfatiza continuamente a través de la publicidad la cultura lo que es bello, excelente y Lisa. También sus obras son de humor en su fictionalness.Según Witkin "el humor es la principal característica humana que hacen posible sobrevivir. "Si la gente no puede ver una parte de humor en las cosas, la gran parte de su acercamiento a la realidad puede disminuir."
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Witkin piensa que mientras viva "cada minuto es un momento de decisión. Hay un código moral en el corazón de cada uno de nosotros, esto es una cuestión de encontrar la suerte y el destino de la suerte. La vida es un lugar de examen.Debe ser un gran campo de exploración. "El artista lleva la conciencia de este examen en su mente siempre. Sus obras son las proyecciones de esta contabilidad interna, viajes espirituales e investigación. A las empresas de investigación de técnicas para la investigación espiritual de Witkin. Él hace conscientemente deformaciones en la estructura química de las películas (que aún sigue utilizando las técnicas tradicionales en el campo de la fotografía que se digitalizó más y más) y en las impresiones. Los valores estéticos de las fotografías que no se crea emanaba de las composiciones que incluyen. Sus preferencias técnicas son parte permanente de su estilo. Por ejemplo, podemos tomar las pinturas de Mustafa Horasan para ver cómo las composiciones de Witkin se convierten en cosas diferentes cuando están separados de sus especialidades técnicas o de la fotografía como un género. Como se sabe, Horasan tomó algunas fotografías de Witkin como modelos e hizo una serie de pintura basada en ellos. En mi opinión, estas obras tienen un valor artístico independiente, sin duda, aparte de sus modelos. Pero son cosas totalmente diferentes ahora, antes de todo lo que son imágenes y tengan un valor pictórico.Creo que la emoción que hacen público sintió es completamente diferente a pesar de medir ese tipo de cosas es imposible.
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Cuando Witkin toma un travesti y ubicar en la posición de Venus o hace un Daphne enano como dar marcha atrás y la lucha con el arte, mitology y pensó tradición de Europa Occidental y el griego especialmente Antiguo tal vez se inspira en la ira sintiendo contra esta tradición que tiene un fondo social y filosófico, así como por las obsesiones sexuales personales. No sé cómo es cierto, pero como he oído Joel-Peter Witkin tenido su primera experiencia sexual con un hermafrodita.Absolutamente los psiquiatras y psicoanalistas aceptarían el trauma de la primera experiencia en la mente del joven. Éste y experiencias similares podrían causar su preferencia para contar las personas con sexualidades "anormales" y sus prácticas a menudo. El trabajo de ninguno de los artistas está desconectado de los contextos sociales de los artistas y sus experiencias. Este proceso funciona incluso para las producciones más sofisticadas e indirectamente artísticas. Supongo que en el ejemplo de Witkin la situación conexión entre formas de expresión artísticas y prácticas sociales es muy evidente.
Un tiempo de vida completo de investigación de extraño, irracional, pervertido, individuos extraordinarios para incluir en las composiciones fotográficas;conversión de los depósitos de cadáveres en los estudios; construcción de imágenes en las que el extremo se convierten en un tema común y diaria ... ¿Por qué? Esta no es una pregunta apropiada. No puede ser Witkin orientado para producir ese tipo de obras con la misma razón por la cual los autores construyen las mismas imágenes en el nivel literario, directores hacen películas de terror y noche yegua, estas fotos extraordinarias se ilustran en acebo escrituras, documentos oficiales, páginas de periódicos y TV o, ¿por qué se examinan las fotografías de Witkin con el más mínimo detalle y abrir su página de álbumes a la página con entusiasmo?En consecuencia, si continúa a mirar la misma pantalla, los elementos que han seducido Witkin y nos son los mismos. Así que la pregunta de "por qué" pierde su fondo ontológico.
* Busque Photovision, Madrid, número: 19 web.archive.org

viernes, 27 de noviembre de 2015

AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES / EDIPO Y LA ESFINGE

Ingres pintó tres versiones de este mismo tema, prácticamente sin variaciones. Esta es la última versión y se diferencia de las anteriores en la figura de hombre barbado que huye al fondo de la cueva. El mito de Edipo nos habla del joven príncipe sobre el que se profetizó que mataría a su padre y se casaría con su madre. Para eludir este destino, Edipo fue abandonado por sus padres y vagó por el destierro. En cierto momento topó con la Esfinge, que le planteó el famoso enigma -el animal que camina a cuatro patas en su infancia, a dos en su madurez y a tres en su vejez- que sólo Edipo fue capaz de resolver. La esfinge entonces le reveló su destino, que efectivamente cumplió por accidente. De tal modo, parece que la figura masculina del fondo pudiera ser el mismo Edipo maduro, que huye horrorizado ante lo que le espera.

AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES-UNA INFLUENCIA LARGA SOSTENIDA

Una influencia larga y sostenida

Desnudas, sensuales, intensas, trazadas con una pulcritud de línea innegable, las mujeres del pintor han calado hondo en diferentes artistas de muy distintos estilos a lo largo de los siglos XIX y XX

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Obra de Ingres de Napoleón Bonaparte en el Museo del Prado. / ÁLVARO GARCÍA
Sólo con mirarlas queda claro lo difícil que resulta sustraerse a su fascinación. Desnudas, sensuales, intensas, trazadas con una pulcritud de línea innegable, las mujeres de Ingres, odaliscas y bañistas, de espaldas o volviendo apenas la cabeza desdeñosa hacia el espectador, han inaugurado una forma de manufacturar el deseo en Occidente que ha calado hondo en diferentes artistas de muy distintos estilos a lo largo de los siglos XIX y XX. De Ingres parte, entre otras propuestas, la pintura orientalista que en Francia cultivará Gérôme, cuyos mercados de esclavas no sólo se convierten en la excusa perfecta para exhibir bellas mujeres, sino que muestran la pasión por el dibujo que subraya cada línea del pintor de Montauban y sus desnudos, mucho más que meros ejercicios retóricos sobre el deseo en los ojos de quien mira. ¿Qué más da que los harenes sean sólo una fantasía más entre las fantasías masculinas de nuestra cultura? Lo que realmente cuenta es la forma en la cual Ingres inaugura un sueño reiterado más tarde por los que siguieron los pasos de sus anatomías prodigiosas. Lo esencial es la escrupulosa precisión de contornos de Ingres, uno de los más audaces dibujantes de historia de la pintura.
Otro estupendo dibujante como Degas, el propio Picasso, tenía a Ingres como referente constante
Tal vez por eso Degas, formado con artistas próximos a Ingres, vivió y pintó obsesionado por la lección del maestro, de quien heredaría el interés por el Renacimiento italiano. Es la precisión elegante de volúmenes exquisitos que regresa martilleante en los desnudos del impresionista francés. De hecho, su formación en el desnudo académico, considerado por esos años una de las disciplinas más complejas y más formativas, instruye la mano de Degas –también un dibujante excepcional- en un trazo riguroso que muestran sus modelos de espaldas, a menudo sorprendidas por el pintor en los momentos íntimos, una escenografía de cuerpos femeninos que vuelve a aparecer en las conocidas bailarinas.
No sería el único en mirar hacia Ingres. Otro estupendo dibujante, el propio Picasso, más allá de las posibles relaciones en su periodo de vuelta al clasicismo, se tropieza con El baño turco en el Salón de Otoño de 1905 y desde ese momento Ingres se convierte en referente constante para el malagueño. Viaja en varias ocasiones a Montauban y se dice incluso que en su estudio colgaba una reproducción de La gran Odalisca –tal vez inspiración para sus series del pintor y la modelo. No es ningún secreto la influencia que el conocido harén tiene en La señoritas de Avigon de 1907, donde las mujeres y el eunuco de la obra un año anterior, acaban por convertir el teatro de la mirada de Ingres en otro escenario: el de un burdel donde los desnudos tradicionales se trastocan y se fulminan
Quizás es la propia precisión en el dibujo lo que llamará la atención de Dalí
Quizás es la propia precisión en el dibujo lo que llamará la atención de Dalí. Si los retratos de Gala de espaldas -de 1945 y 1960- son un homenaje bastante literal a La bañista, la pintura temprana de la hermana Ana María bebe de idénticas fuentes y los Pensamientos del Ingres –convertido en una especie de presencia protectora al inicio de la carrera de Salvador Dalí- son citas obligadas en la muestra de las galerías Dalmau.
Luego estaría la lectura un poco irónica de Man Ray y su foto de 1924: un cuerpo femenino con turbante, de espaldas, convertido en un instrumento musical. Y la revisión feminista de Sylvia Sleight, quien en los años 70 del XX convertía a las cuerpos anónimos del harén neoclasicista en jóvenes descarados, listos para seducirnos desde su identidad desvelada, parte de un juego de subversiones que Ingres volvía a protagonizar
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jueves, 26 de noviembre de 2015

Ingres, Dominique (1780-1867) Montauban (Francia) Música: Capricho para ...

El desnudo en la pintura de Ingres

JEAN DOMINIQUE INGRES / PABLO PICASSO / EL BAÑO TURCO/ MODIGLIANI


Amedeo Modigliani- La gran Odalisca

Olga en un sillón, 1917

Exposición: Ingres (24 de noviembre de 2015 – 27 de marzo de 2016)

La Gran Odalisca de Ingres, comentada por Carlos G. Navarro


Jean Auguste Dominique Ingres nació el 20 de agosto de 1780 en la ciudad francesa de Montauban. Su ligazón con la ciudad se mantuvo a lo largo de toda la vida del pintor, quien donó importante parte de su obra al ayuntamiento, recibió honores de sus conciudadanos y finalmente disfrutó en ella de su propio museo, el Museo Ingres de Montauban. Ingres era hijo del pintor Joseph Ingres, miembro de la Academia de Bellas Artes de Toulouse. Toulouse era la ciudad más importante cerca de Montauban y allí es donde el padre se llevó enseguida al pequeño para formarle como artista. Dos fueron las disciplinas en las que el padre inició al joven Ingres, y en ambas destacó como un experto, sin abandonar jamás su práctica: música y pintura. En música, el violín era su instrumento favorito y su destreza alcanzó el nivel de virtuosismo. Dio numerosos conciertos, pero normalmente para círculos muy reducidos y en fiestas particulares de sus amigos. Respecto a la pintura, el dibujo era sin duda la guía y la herramienta preferida por el artista, hasta el punto de aconsejar al joven Degas, quien le admiraba: "Trace líneas, joven, muchas líneas, de memoria o al natural, así podrá llegar a ser un buen artista". En ambas ramas del arte Ingres poseía dos mentores o modelos a los que trataba de emular; en la música, Mozart representaba para él la más alta cota de la creación, mientras que en pintura Rafael fue siempre el modelo a seguir, no sólo en lo que se refiere a la práctica de la pintura, sino en su propia biografía que, dicho sea de paso, el pintor francés conocía a través de deformaciones novelescas. Sin embargo, a Ingres siempre le fascinó la vida amorosa de Rafael, en especial la relación mantenida con la bella Fornarina, su amante y modelo de gran parte de sus cuadros. La propia vida de Ingres se inició dentro de una línea de indefinición amorosa, que no le impidió llegar a un matrimonio estable y duradero que casi acabó con su carrera cuando la esposa murió.Ingres se formó, pues, siguiendo la dirección marcadas por su padre, quien le trazó un ordenado plan de estudios en Toulouse. Primero se lo encargó al pintor Pierre Vigan, de quien aprendería el valor del dibujo, una noción que ya nunca abandonaría en su carrera. Tras él pasó a las manos de Joseph Roques, pintor bastante exitoso. Fue Roques el que inculcó a Ingres la devoción por Rafael; por último, el remate de su formación en Toulouse corrió a cargo de Jean Briant, que ejerció menor influencia sobre el aprendiz. Tras esta etapa, en la que aprovechó todo lo que pudo la vida de provincias, Ingres se trasladó a París, la capital del arte neoclásico, ingresando en el taller de David hacia el año 1797. Se mantuvo allí hasta 1801, tras un desagradable incidente con su maestro. David era el pintor más famoso de Francia. Era el intérprete del régimen napoleónico, como antes lo había sido de la revolución; sus lienzos provocaban auténticas conmociones sociales en las exposiciones del Salón Oficial y él mismo formaba parte del jurado que premiaba cada año las obras presentadas al Salón. La relación con Ingres no fue cordial, aunque tampoco significó enemistad. Ingres aprendió de él la forma de componer un lienzo y la grandiosidad de la pintura de historia, el género que Ingres deseaba practicar. También tomó de David la manera de organizar un taller de pintura y trasladó el método a su propio taller cuando llegó el momento de abrirlo, primero en Florencia y luego en París. Sin embargo, Ingres no propició el ambiente ruidoso y colectivo que reinaba en el taller de David, donde los grupos de jóvenes pintores tomaban partido por diferentes opciones pictóricas y organizaban apasionados debates. Por el contrario, Ingres ejerció una disciplina paternalista sobre sus discípulos, y al que se apartaba de su método le acusaba de descarriado e insolente. El incidente que marcó la separación de Ingres respecto de su maestro David tuvo lugar en 1800, cuando Ingres se presentó por primera vez al Salón Oficial con cinco pinturas. Una de sus obras quedó en segundo lugar por el voto en contra de su maestro, algo que Ingres jamás perdonó a David. Al año siguiente, Ingres se presentó de nuevo y consiguió el primer premio, que le proporcionaba además una beca para estudiar en la Escuela de Francia en Roma, situada nada menos que en la bellísima Villa Médici. Las circunstancias económicas del consulado napoleónico hicieron que se retuvieran las becas de ese año por lo que Ingres no pudo hacerla efectiva hasta 1806.De camino a Roma se detuvo en Florencia para visitar a su amigo, el escultor Lorenzo Bartolini, de quien hizo un bonito retrato de juventud. Visitó las iglesias de la zona, decoradas al fresco durante el Quattrocento, y se afianzó su admiración hacia la pintura de los primitivos italianos: Botticelli, Mantegna, Masaccio o Piero. Durante su estancia en Roma participó en conciertos, estudió ruinas y hallazgos arqueológicos y se buscó una clientela particular que le encargó numerosos retratos. La caída de los Bonaparte en Italia determinó la huida de los aristócratas que le proporcionaban trabajo. En 1812 recibió el encargo de decorar el Palacio de Monte Cavallo, pero finalmente tuvo que marchar de Roma y se instaló en Florencia, donde abriría su propio taller, ya en 1819. Mientras tanto, Ingres había seguido enviando obras a los Salones Oficiales de París: la crítica no las había acogido muy bien, pese al academicismo formal de sus obras. La razón solía estar en ciertas violaciones de la composición, la anatomía, etc. Tan sólo Baudelaire apreciaba el valor de Ingres, que en sus lienzos introducía ya temas y enfoques que anticipaban el sentimiento romántico, pero no desde posiciones de la pasión o el sentimiento, sino desde una evolución lógica del propio Neoclasicismo.Su apariencia formal y su trasfondo romántico hicieron a Ingres navegar siempre entre dos corrientes, rechazado y adorado a un tiempo por ambos bandos. Por fin, en el Salón de 1824 Ingres triunfó con El Voto de Luis XIII, exaltación de la monarquía y los valores tradicionales. Se expuso frente a La Matanza de Quíos, de Delacroix. Ambos representaban dos posturas enfrentadas, la reaccionaria y la revolucionaria, la académica y la pasional, el dibujo frente al color empastado. La oposición entre ambos pintores se haría ya simbólica de una época. Ingres siempre había ansiado el éxito en París, por lo que el triunfo del año 24 le animó a cerrar inmediatamente su taller florentino y a trasladarse a la capital francesa. En 1826 se le encargó nada menos que la decoración de algunos techos del Palacio del Louvre, ya convertido en museo nacional. Este hecho marca una serie de hitos triunfales en su carrera: fue nombrado vicepresidente de la Escuela de Bellas Artes de París para inmediatamente después hacerle Presidente, en el año 1833. En 1834 se le encomendó la dirección de la Escuela de Francia en Roma, donde él mismo había sido becado. Allí ejerció hasta el año 1841, cuando vuelve a París atraído por el clamor social que reclamaba la presencia del pintor, que había acumulado éxitos y famas como intérprete del régimen de poder oficial.Su ligazón con la Corona y los estratos oficiales se afianzó con un encargo de 1842: el heredero de Luis Felipe había muerto y se le pidió que trazara los diseños para las vidrieras de la capilla funeraria del príncipe. En 1849 murió su primera esposa, Madeleine Chapelle, lo cual le sumió en una etapa de casi inactividad, hasta que en 1852, a los 72 años, contrajo segundas nupcias con una mujer de 43, Delphine Ramel. En 1855 tuvo lugar la Exposición Universal de París y en ella se organizó la primera exposición retrospectiva del pintor, a la cual pudo acudir, ya muy anciano. Ingres murió a los ochenta y siete años, en Montauban. Enfermó tras una cena en casa de sus amigos y pocos días después, el 14 de febrero de 1867, fallecía.La obra de Ingres a lo largo de toda su vida se divide en cinco grandes temas. El más abundante fue el retrato, en el que alcanzó enorme habilidad. Todos los grandes personajes del siglo XIX francés fueron retratados por él, así como las personas más íntimas del pintor. Su método de trabajo resulta sorprendente pero al mismo tiempo de gran efectividad. Su pasión por el dibujo le hacía tomar innumerables bocetos del modelo y siempre lo hacía sobre desnudos; después pasaba a vestirlos minuciosamente con estudios de plegados en los vestidos, que algunos críticos enjuiciaron como goticistas y, por lo tanto, arcaicos. En ese sentido se puede mencionar el retrato de la Princesa de Broglie que, confrontado con el estudio previo, en donde la noble dama aparece totalmente desnuda, no puede por menos que chocar. Este modo de trabajar le aseguraba al pintor una correcta concepción anatómica de la figura. Su rigor dibujístico contrasta en este terreno de perfección con el segundo tema de sus obras, el desnudo, recordado por su sensualidad y exotismo. Dada la mentalidad puritana de su época, el pintor los ambientaba en baños turcos, escenas míticas, etc., de modo que la aparición del cuerpo femenino desnudo estuviera justificado por el contexto. Pero esto no pasaba de ser una mera excusa para que el artista realizara una y otra vez el mismo tema, que le obsesionaba, emblematizado por la Bañista de Valpinçon. Esta figura femenina de espaldas aparece repetida en numerosos lienzos del artista: en ella no existe corrección anatómica sino pura deformación por un fin estético. El artista ablanda los huesos para que los miembros de las figuras obtengan un aspecto sinuoso. Los cuellos se alargan en vertiginosas curvas de placer. La maravillosa espalda de la bañista está "construida" a partir de tres espaldas diferentes, encajadas, para alargarla y engrandecer su presencia.Este modo de reconstruir la figura conceptualmente para obtener un objeto bello y decorativo tendrá sus consecuencias en la pintura contemporánea. Picasso declaraba haber aprendido de Ingres el modo de descomponer y recomponer a su gusto el cuerpo humano. Este tratamiento heterodoxo del cuerpo fue algo que jamás comprendió la crítica del siglo XIX, que tachó a Ingres de pintor excéntrico. Ingres se muestra mucho más convencional y "aceptable" en sus pinturas de tema religioso. La pintura religiosa alcanzó una honda revalorización en el siglo XIX, cuando la Restauración de la monarquía y el puritanismo moral trajeron de nuevo devociones olvidadas. Ingres adaptó a sus cuadros religiosos los modelos aprendidos de Rafael, e incluso trasladó casi literalmente determinadas madonnas del italiano a sus propias vírgenes. Fue un soplo de calidad insuflado a un género que había caído en el aspecto de estampa popular blanda y sin valor artístico. Como punto de curiosidad mencionaremos que, al igual que en el resto de su obra, Ingres también trazaba los bocetos de sus cuadros religiosos con las figuras de santos y vírgenes completamente desnudos, vistiéndolas después. Los dos últimos temas que trató Ingres fueron la pintura de historia y la de mitología. Por sus rasgos formales, ambos temas están muy relacionados; se trata de cuadros de enorme formato, con muchas figuras y moraleja incluida, al gusto del Neoclasicismo.Ingres deseaba ser recordado como un pintor de historia, pues consideraba a éste como el género más digno de la pintura. Curiosamente, sus peores composiciones son sus cuadros de historia. En ellos trata el llamado "género trovador": recupera el gusto por la Edad Media, por el aspecto primitivo de la pintura, así como se ocupa del origen de la monarquía y de las instituciones tradicionales. Sus obras son serviles y centradas en lo meramente anecdótico, sin la grandeza que mostraron los grandes neoclásicos como su propio maestro, David. Aparte del relato de hechos históricos hizo referencias a la literatura medieval y renacentista, como en los lienzos que dedicó a la desgraciada historia de Paolo y Francesca, o los que tienen como motivo los amores de Rafael y la Fornarina.Los lienzos dedicados a mitología tienen las mismas características formales de sus pinturas de historia. Son composiciones pretenciosas, pero en las que la belleza del tema hace perdonar los desmanes sentimentales de la interpretación. Entre los lienzos dedicados a la mitología se incluyen también cuadros dedicados a estrenos teatrales del momento que le impactaron, como la ópera Antíoco y Estratónice. En estos lienzos, que para él significaban su más alta realización como pintor, hacía un profundo estudio previo, que podía alcanzar los 300 ó 500 dibujos preparatorios. El rigor histórico era también una característica de Ingres. Los objetos de la época y los adornos eran copiados de apuntes que Ingres tomaba de sus visitas a yacimientos arqueológicos, así como de su importante colección de vasos etruscos y griegos.La trascendencia de Ingres en el siglo XIX se puede establecer en dos vías: formal y de contenido. En el aspecto formal, los pintores a los que influyó fueron en primer lugar sus discípulos: Flandrin y Lehman entre otros. Federico de Madrazo y Rosales, españoles ambos, también adaptaron su modo de pintar en el eclecticismo español. José de Madrazo incluso llegó a conocer al maestro francés, a quien admiraba profundamente. Por último, en la generación siguiente, Puvis de Chavannes y Gustave Moreau asumieron de Ingres su estilo lineal y depurado. La transmisión del contenido se llevó a cabo en la pintura romántica de género trovadoresco, en especial con influencias sobre los pintores nazarenos, los prerrafaelitas y los simbolistas, entre los que se cuenta el mencionado Moreau. Aparte de ellos, el impresionista Degas también admiraba la solidez dibujística de Ingres y se animó a visitarle y pedirle consejo. Mas allá del siglo XIX, en la década de 1920 se produjo en el arte de vanguardias una llamada "vuelta al orden", a la línea, al clasicismo de la figura y el tema, en la cual la pintura de Ingres tomó un gran peso específico, hasta el punto de servir de referencia al Picasso clasicista de estos años, Gino Severini o Salvador Dalí.
www.artehistoria.com

CARLOS G. NAVARRO, COMENTA "LA GRAN ODALISCA" DE INGRES

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Carlos G. Navarro, especialista del siglo XIX del Prado, comenta “La Gran Odalisca” de Ingres

25 noviembre2015 | Por  | Categoría: ActualidadImprime esta noticia Imprime esta noticia
Carlos G Navarro, Museo del Prado, Odalisca, Ingres“La Gran Odalisca” uno de los cuadros emblemáticos de Jean-Auguste Dominique Ingres  (1780-1867) se puede ver entre las 60 obras que componen la exposiciónIngres en el Museo del Prado.
Una magnífica ocasión para conocer la obra de uno de los pintores más influyentes en el devenir de la pintura de los siglos XIX y XX, del que no se conserva ninguna obra en colecciones públicas españolas.
Ingres pinta en 1814 “La gran Odalisca” con óleo sobre un lienzo de 91 x 162 cm. El cuadro que hasta el 27 de marzo de 2016 cuelga en las paredes del Museo del Prado procedente de París, Musée du Louvre, (département des Peintures, Acquis en 1899, RF 1158)  se muestra  junto a dos estudios preparatorios realizados con grafito (254 x 265 mm.) donde se pude ver como Ingres es capaz de a partir de lo real y posteriormente distorsionar la espalda y el brazo, puede crear una imagen sensual que envuelve al espectador dejando a un lado las desproporciones reales.
La Odalisca de Ingres, liberada de toda razón moral y sin entender ni de mitología ni de historia, se hizo célebre por constituir una invitación directa al placer sensual. Se considera, por ello, el primer gran desnudo de la tradición moderna.
El especialista en Pintura del Siglo XIX del Museo del Prado, Carlos G. Navarro, comenta la obra tras su instalación como primera pieza de la exposición.
Información Museo del Prado
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