8 libros de lectura obligada
POR BLOUIN ARTINFO | 24 DE AGOSTO 2015
(Cortesía Verso / Drawn & Quarterly / Random House / Delacorte Press / IB Tauris)
ARTINFO redondea ocho libros relacionados con el arte programados para su publicación en los próximos meses. Lea las recomendaciones de la cápsula a continuación.
"Bad Nuevos Días", de Hal Foster (Verso 8 de septiembre)
En su más reciente colección de ensayos, el eminente historiador del arte y crítico Hal Foster considera dos décadas y media de la producción artística en América del Norte y Europa Occidental e identifica cuatro temas o impulsos: "abyecto" "archivo", "mimético" y "precaria". Estos forman los cuatro primeros capítulos de este libro, que abarca artistas como Mike Kelley, Tacita Dean, Robert Gober, Isa Genzken, y Thomas Hirschhorn.Como de costumbre, la fuerza de Foster no reside en su capacidad para emerger practicantes understudied sino más bien en su erudita atención a aquellos artistas que han surgido como definitiva de su momento particular. Para ello, estos capítulos ofrecen argumentos convincentes acerca de los artistas en la mano y sus vínculos con las condiciones político-culturales más amplios. Pero es en las dos secciones finales del libro - el quinto capítulo, en el que Foster, se pregunta: "¿Cómo llegamos a un punto en el que se desestimó la crítica?" Y un cierre salva titula "Elogio" Post-crítico? " de Actualidad "- que los riesgos de libros sus más agudos argumentos críticos. Este último ofrece una reprimenda polémica al "tiempo zombie" institucional (que no debe confundirse con el otro crítico reprendido-"zombie") provocada por la actual moda de reestadificación actuaciones históricos y exposiciones de los años 1960 y 70, con Foster argumentando en lugar de un arte que puede "constelar no sólo diferentes registros de experiencia (estéticas, cognitivas y críticos), sino también diferentes órdenes de la temporalidad." -Mostafa Heddaya
"Bus Stops soviéticos", de Christopher Herwig (Editorial COMBUSTIBLE 29 de septiembre)
Shymkent, Kazajstán es bastante difícil de localizar en un mapa - es sin duda ninguna parte se encuentra en los relatos de la arquitectura modernista de la posguerra. Sin embargo, "soviéticos paradas de autobús", un libro de fotografías que celebra construcciones de pequeña escala en Shymkent y más allá, bien podría cambiar eso. Christopher Herwig pasó más de 20 años recorriendo las aguas estancadas y provincias de los ex-repúblicas soviética para documentar la impresionante, variada arquitectura de pabellones carretera que salpican el paisaje de Moldavia a Turkmenistán. Ese libro de Herwig está siendo re-lanzado este mes por una editorial establecida - su primer auto-publicado racha de 1.500 ejemplares se agotaron en Kickstarter, - da testimonio de un creciente interés en modernismos provinciales que buck las imágenes estándar de, bloques modernistas grises monumentales dispuestas en filas uniformes. Los arquitectos locales interpretan influencias globales con admirable creatividad: mosaicos coloridos representan motivos nacionales e iconografía comunista, mientras que el uso poético de los materiales de la era definitoria (como el hormigón) para crear formas ligeras, escultóricas muestra que los diseñadores internacionales tienen mucho que aprender de las estructuras Soviética pasado. -Anna Kats
"Eva Hollywood", de Eve Babitz (NYRB Clásicos, 06 de octubre)
Los Angeles no es un "páramo", Eve Babitz escribe en la apertura de "Eva Hollywood", un libro de memorias-ficciones dispersas publicadas por primera vez en 1974 y reeditado por NYRB Clásicos en octubre ", sólo se necesita un cierto tipo de inocencia "disfrutar de la vida allí.Además, parece, pero nunca mencionó, una cierta cantidad de privilegio. La hija de un músico artista y contrato de la película-estudio, Babitz es mejor conocida por posar desnuda con Marcel Duchamp en una famosa fotografía. Pasó sus primeros años escuchando a su padrino, Igor Stravinsky, hablar de música, y chapoteando con su hermana en la piscina de Bernard Herrmann. En el libro, escribe claramente de su infancia y de las mentes creativas que se movían dentro y fuera del salón de sus padres, pero lo que le excita más que el arte que crearon fueron las historias que contaban. Y Babitz sin duda tiene un montón de historias. Las viñetas incluidas en "Eva Hollywood" sentirse como anécdotas pasadas alrededor de la mesa en la parte trasera de un bar, el escritor recordando los malos chicas que impulsaron Thunderbirds en Hollywood High - donde "la clase de arte despreciado porque no tenía nada que ver con la aventura "- y sus intentos de romper con el envejecimiento y novio casado a una Benihana. Artistas, actores, surfistas, productores de cine, y las bajas de ácido flotan a través de las historias, Babitz permaneciendo siempre a distancia. Y si la escritura no es lo suficientemente transparente, hay una dedicación de ocho páginas en la que gracias a Andy Warhol, Joan Didion, Larry Bell, Ed Ruscha, Duchamp, el 90 por ciento de la escena del rock-and-roll de Los Ángeles de la época, y "aquel cuya esposa se enfurecía si tanto como poner sus iniciales en." -Craig Hubert
"Matar y morir", Adrian Tomine (Drawn & Quarterly, 20 de octubre)
El artista con sede en Brooklyn está listo para lanzar su última colección, "matar y morir", en octubre, compuesto por los últimos tres números de su larga cómic "Nervio Óptico." Los fans de Tomine no serán sorprendidos por la tono de la última hornada de historias, que se ocupan de temas comunes de la alienación, la falta de comunicación, y la obsesión enamorado. Si a primera vista "matar y morir" parece menos directamente personal que su anterior trabajo - hay menos avatares obvias para el autor - que vale la pena teniendo en cuenta que Tomine es ahora un padre, no un adolescente rasposa, y esta nueva colección llega a través de un enfoque en las relaciones familiares y los misterios de la paternidad. También está la historia de apertura, sobre un paisajista que desarrolla un nuevo medio artístico llamado "Hortisculpture" que cree que se le entregue la fama y que nadie más piensa tiene nada que ver con el arte, que tal vez - sólo estamos tomando una conjetura aquí - tiene algo que ver con la profesión elegida de Tomine. -CH
"El Golfo: Alta Cultura / Hard Labor", editado por Andrew Ross para Gulf Trabajo (OR Libros, octubre)
Por medio de una década, el grupo activista Golfo Trabajo ha estado presionando a la Solomon R. Guggenheim Museum de asegurar que aquellos construir Abu Dhabi puesto de avanzada de la institución son tratados con humanidad. Este esfuerzo incluyó de 2013-2014 "52semanas de campaña", en la que una obra de un artista o escritor de responder a la cuestión del abuso laboral se publicó en el sitio web del Golfo Trabajo. Esta colección, editada por el sociólogo Andrew Ross (recientemente entre los prohibidos de los Emiratos Árabes Unidos por su trabajo en esta materia), incorpora la campaña "52 semanas", junto con ensayos comisionados y contribuciones visuales. El resultado es un "anuario" integral de tipo mirando hacia atrás, y hacia adelante, sobre los derechos laborales y las políticas culturales que sustentan la construcción del múltiplex internacional de las instituciones culturales de franquicia en la Isla Saadiyat de Abu Dhabi. Esta amalgama de las instituciones de alta culturales titulares - entre ellos el Guggenheim, un campus de la Universidad de Nueva York y el Museo del Louvre de Abu Dhabi - y el trabajo en deuda ha atraído una gran atención a las deplorables condiciones que sufren los trabajadores migrantes en el emirato de Abu Dhabi, un punto subrayó en un prólogo de Sarah Leah Whitson de Human Rights Watch. "El Golfo" es una lectura esencial para aquellos que han estado siguiendo las protestas del Golfo Laborales en el Guggenheim de Nueva York (o, más recientemente, en Venecia), o deseen ampliar sus conocimientos sobre el tema y comprender cómo los artistas, los escritores, y otros trabajadores de la cultura se han movilizado para proteger a las personas cuyos derechos son a menudo eclipsada por la arquitectura dramática y boato diplomática inherente al sistema del arte internacional. -MH
"La guerra es bella", de David Shields (PowerHouse, 3 de noviembre)
Subtitulado "The Times Guía Ilustrada de Nueva York con el glamour de los conflictos armados", este ensayo-via-fotos-asignados organiza primera plana representaciones de la guerra en un intento de exponer al acecho agenda ideológica de la Dama Gris. "Mientras que por necesidad que contiene datos duros", Escudos escribe: "[las fotos] producen consistentemente un Irak (y Oriente Medio) de la grandeza épica. El programa de las fotos es ... la preservación del poder "diferentes capítulos temáticos -". Naturaleza "," Piedad "," Pintura "- subdividen las imágenes en tipos. (En "Love", una madre joven con su niño camo resistente relajarse y sonreír a la sombra de la tumba de su sargento-marido.) Crítico de arte Famoso contraria a Dave Hickey ofrece un epílogo: "Resumiendo arriba, estas imágenes generan más desconfianza aventuras militares de Estados Unidos de lo que había antes ", dice," y yo tenía mucho ". -Scott Indrisek
"Archivos disonantes: Cultura Visual Contemporánea y Narrativas en disputa en el Medio Oriente", editado por Anthony Downey (Ibraaz / IB Tauris 30 de agosto)
Aunque quizás carece de la ostentación de otros emprendimientos editoriales arte, Ibraaz desde 2011 ha sido la liberación de importantes ensayos, críticas y entrevistas sobre su línea "plataforma", y poner en conferencias y otros programas en instituciones como la Tate Modern."Archivos disonantes" es su primer intento de longitud del libro, y se centra en el llamado arte archivística como se practica por una serie de artistas de medio oriente y origen norteafricano. Editado por la Ibraaz Anthony Downey, ensayos astutos de la colección son interrumpidos por "'Inserciones, que constan de artistas Artistas"' declaraciones e imágenes de obras de arte, con obras de Lawrence Abu Hamdan, Ruanne Abou-Rahme y Basilea Abbas, Hans Haacke (como parte del Golfo de Trabajo), Jananne Al-Ani, y Naeem Mohaiemen, entre otros.Menos un tomo unificada de un surtido difusa de ensayos incisivos en una amplia gama de artistas y temas vagamente conectados a la condición de archivo, "Archivos disonantes", o al menos una parte de lo escrito en ella contenidas, es de lectura obligatoria para una amplia franja de artistas, críticos y estudiosos -. incluso, o quizás sobre todo, aquellos que no se centró en el arte de Oriente Medio -MH
"Al ver Potencia: Arte y Activismo en el siglo XXI," por la OTAN Thompson (Melville House, 18 de agosto)
"Nato Thompson es un genio," artista Trevor Paglen dice en la propaganda portada de "Al ver Potencia:. Arte y Activismo en el siglo 21" Eso Paglen también cuenta en uno de sus capítulos es una de las pocas cosas divertidas en la seriedad libro de mente escrito por el curador en jefe de Creative Time. Como Thompson dice que, su propósito es "desenredar las cuestiones que se plantean para cualquier persona cuyo trabajo se extiende más allá del arte y el activismo." Y, sin embargo, los restos flotantes de la teoría cultural navegable juntos (Adorno, Horkheimer, Rancière, Bourdieu) no es probable que la boya de interés de cualquiera de los lectores en general o el practicante culturales, como "Al ver Power" carece tanto el rigor documental de la historia del arte y la lucidez de la crítica reflexiva. En lugar de ofrecer una visión sobre las condiciones actuales, Thompson recapitula descriptivamente trabajo realizado por artistas-activistas y anexa conclusiones smarmy como: es "una lección para todos nosotros", o que si las instituciones "tienen paredes, los muros pueden ser escalado, derribado , golpeado por medio. También se pueden construir desde cero. "Es más de 150 páginas de descripción sobre-calentado sembrado junto con clichés condescendientes que no promulgar cualquier tipo de argumento novela o análisis intelectual. Sin embargo, dado el perfil ascendente de Creative Time - nueva percha de la directora Anne Pasternak en el Museo de Brooklyn, la cumbre de Creative Time en Venecia - parece como un título de al menos nota, aunque sólo sea por su cinta de la retórica. En el último capítulo, Thompson concluye: "Pero las personas y los sueños son un recurso poderoso que, históricamente hablando, han creado su propio mundo a pesar de los poderes que los oprimen." Del mismo modo, llamar a este trabajo reflexivo del genio puede ser el materia de los sueños. -Noelle Bodick
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(...)El 15 de febrero de 2011, Dean llegó a Londres procedente de Berlín, donde vive desde el año 2000 con su marido, el artista Mathew Hale, y su hijo Rufus, de ocho años. Al llegar al aeropuerto de Heathrow llamó a Soho Film Laboratory, adonde había enviado varias de sus películas en 16mm que iba a incluir en una exposición que inauguraría en dos semanas en Viena. Malas noticias: le comunicaron que, con efecto inmediato, iban a dejar de trabajar con película de 16 mm. No aceptarían nuevos encargos. Una semana más tarde, publicaba en el diario británico The Guardian un emocionante artículo en el que pedía la salvación del celuloide. “Mi relación con la película empieza en el rodaje y termina en la proyección. Por el camino, hay varias fases de transformación mágica que impregnan la obra de capas de distinta intensidad. Por eso la imagen de celuloide es distinta de la imagen digital: no se trata de emulsión frente a píxeles, o luz frente a electrónica, es algo mucho más profundo, es poesía”.
ResponderEliminarDean ha filmado más de cuarenta películas en formato 16 mm. Tiene que cargar por dos veces el carrusel del viejo proyector para enseñar solo algunas de ellas. Repasa, para regocijo de las nuevas generaciones, la intrahistoria de los retratos fílmicos de los artistas Mario Merz, Cy Twombly, Claes Oldenburg, del coreógrafo Merce Cunningham o de Michael Hamburger, poeta y traductor de Sebald. Imita el musical acento de Virginia de Twombly, un auténtico héroe para la artista —hizo su tesis sobre él—, recuerda la fascinación que sintió al seguir durante cuatro días los ensayos de la compañía de Merce Cunningham en presencia de su legendario fundador o insiste sobre la idea de la contingencia: el rodaje con Oldenburg no iba bien, las cámaras lo incomodaban, así que a ella se le ocurrió pedirle que ordenase las estanterías de su estudio. Esa última media hora de metraje fue lo único que le serviría. Pero, irremediablemente, llega un momento en que el ambiente festivo se disipa. A excepción de Oldenburg, todos han fallecido. “¿Hablaste con ellos sobre la muerte?”, le preguntan. “No, pero era algo tácito y extraño en esos encuentros. Todos ellos sabían lo que estaban haciendo cuando accedieron. Twombly nunca se había dejado grabar por nadie, solo por mí. Ellos lo saben”, responde Dean. Terminada la clase, ella reconocerá que se identifica tanto con los artistas jóvenes del taller como con los viejos que ya solo viven en sus películas. “Pienso mucho en la vejez porque ya me cuesta andar. Yo ya convivo con esa pérdida de independencia que a la mayoría le llega mucho más tarde. Tengo que aprender a vivir con menos mucho antes que los demás. Además, en estos momentos me están echando de mi estudio y de mi medio, así que, de una forma extraña, veo más cerca el final de mi vida”. Tacita Dean tenía 27 años cuando le diagnosticaron una artritis reumatoide. Se había puesto zapatos nuevos para asistir a la inauguración de New Contemporaries, una exposición que anualmente reúne obras de artistas emergentes, y al llegar a casa apenas podía dar un paso. Algo iba mal. Hoy, con 47 años, camina con una pronunciada cojera.
Evoluciona o muere. Los tiempos cambian. Vaya, parece que a partir de ahora tendrás que utilizar película de 35mm. O pasarte al digital. Así reaccionaron algunos —bastantes— lectores de The Guardian al artículo de Dean en defensa del celuloide. A principios de octubre de 2011, la rueda de prensa de presentación de FILM, la espectacular instalación con la que Dean transformó la gigantesca Sala de Turbinas de la Tate Modern en una tira de película, fue también muy agresiva, recuerda. “¿Por qué no es una obra digital?’, me preguntaban. De pronto, pelear por mi medio me convirtió en una ludita.
. (...)
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