jueves, 16 de enero de 2014

MUSEO DEL ARTE / LEONARDO DA VINCI / HANS HOLBEIN EL JOVEN/ EDVARD MUNCH/ TINTORETTO / NIKLAUS MANUEL DEUTSCH

Museo del Arte


Posted: 15 Jan 2014 04:42 AM PST
National Gallery of Art, Washington

Leonardo Da Vinci
Ginevra de’Benci pertenecía a una ilustre familia que todavía hoy tiene una calle a su nombre en Florencia. Gozaba fama de virtuosa y por ello le dedicó dos sonetos Lorenzo el Magnífico. Su hermano Giovanni era muy amigo de Leonardo, ya que a ambos les unía la curiosidad por las cosas de la naturaleza y los dos coleccionaban minerales, mapas y otros objetos de interés científico. 
En esta pintura muestra el autor esa plasticidad florentina de sus años de aprendizaje con Verrocchio, junto a la brillante pléyade de pintores allí reunida, en un ambiente culto y refinado, Todavía se vale de una línea incisiva y se expresa con una rara acuidad para darnos la efigie de esta mujer menuda, enfermiza, pero de gran fortaleza moral. El rostro se destaca sobre la aureola oscura que forma una gran mata de enebro –ginebrón- clara alusión a su nombre que respalda la identificación de la retratada. La misma planta se repite, entre el laurel y la palma, en el emblema pintado al reverso de la tabla con el lema “Virtutem forma decorat”, es decir, “la forma –la efigie- honra a la virtud”, proclamando así la buena fama de la señora. 
A pesar de ser una obra de juventud, el cuadro tiene ya ese misterio leonardesco, esa intuición del alma del modelo y ese sentimiento poético del paisaje.
 
Posted: 15 Jan 2014 04:36 AM PST
National Gallery of Art, Washington

Hans Holbein el Joven
El entonces príncipe Eduardo tenía catorce meses y era el primer hijo legítimo de Enrique VIII, habido de su tercera esposa Juana Seymour. 
Al mofletudo infante se le ha querido revestir de majestad, vistiéndolo con pomposos atavíos y haciéndole empuñar el sonajero como si fuera un cetro. Ante él lleva escritos unos adulatorios dísticos latinos, terriblemente conceptistas y afectados, con un juego de palabras en cada verso. Los firma Ricard: Morysini. Car. , o sea, el cardenal Morrison, quien incita al niño a emular a su padre en la virtud, aunque difícilmente puede el cielo y la tierra producir un hijo cuya gloria supere la de tal padre… La Historia no confirmó estos augurios, pues Eduardo VI, coronado en plena infancia, murió a los dieciséis años, tras seis de reinado. 
El retrato es de una precisión inimitable. Las capas de color y las veladuras se ajustan estrictamente a una minuciosa preparación dibujística a la que se confía la estructura y la expresión.
 
Posted: 15 Jan 2014 04:30 AM PST
Nasjonalgalleriet, Oslo

Edvard Munch
En La danza de la vida, Munch utiliza una escena estival, un baile de verano al aire libre que aún hoy en día, más de un siglo después, se sigue celebrando en la costa noruega. Sabemos que se trata de Asgárdstrand porque ya el paisaje nos resulta familiar: la luz que proyecta el sol de medianoche, la sinuosa orilla donde se confunden la arena y el prado, o el horizonte en el que se adivina algo más de la costa o un fiordo, trabajado todo con suaves líneas horizontales en las que se funde una paleta de delicados tonos pasteles. 
Munch consiguió el ritmo de la obra con la disposición de las figuras en el lienzo, plasmando dos planos narrativos. La naturaleza cobra formas simples pero cargadas de una fuerza intensa, que el pintor resuelve con líneas onduladas apenas sugeridas por el movimiento del pincel; las verticales están definidas por los personajes retratados, el reflejo de la luz y por un pequeño arbusto inclinado del que brotan flores. 
El autor centra la composición a partir de una pareja de baile que aparece en primer término. La vista se dirige allí tras observar el sol: un punto en brillante amarillo que se destaca en el fondo del cuadro, cuyo reflejo sobre el agua tiene una clara connotación sexual; flanqueado por dos figuras femeninas que inmediatamente enlazan con el hombre que baila con la mujer vestida de rojo. Aunque la figura masculina mantiene los ojos cerrados, el pintor logra transmitir una actitud de tensión y expectación, quizá como una invitación a que el baile pase a otro terreno. La seductora mujer del vestido rojo -color que simboliza la pasión- está, a diferencia del hombre, con los ojos muy abiertos, como si se tratara del despertar sexual. Sus cabellos pelirrojos se curvan hacia adelante, como si buscaran atrapar al bailarín. Ambas figuras están absortas en su propio mundo, sin quererlo ni pensarlo y sin que importe el entorno. A la izquierda el pintor nos presenta a otra mujer, cubierta por un virginal vestido blanco; ella sonríe y resaltan sus mejillas sonrosadas. El blanco realza la pureza y el gesto de arrancar una flor delata que la chica está enamorada, pero, a diferencia de la mujer de rojo, ella representa la primera ilusión del amor, la inocencia con tintes platónicos. Al otro extremo del cuadro, en el lado derecho, una mujer más madura, vestida de negro, con el rostro serio y las manos entrelazadas, observa a la pareja de bailarines con desaprobación, pero a la vez resignada a su propia soledad; quizás en ella Munch quería simbolizar lo transitorio de todos los sentimientos. Los cuatro personajes principales están acompañados por otras figuras en el fondo, que parecen estar completamente entregadas al disfrute de este baile veraniego. De entre ellas destaca la figura de un hombre en la mitad derecha del cuadro, que parece mirar directamente al espectador con una mueca de éxtasis, completamente arrebatado por la pasión del momento, el frenesí del baile y el calor del verano.
 
Posted: 14 Jan 2014 03:21 PM PST
National Gallery of Art, Washington

Jacopo Robusti Tintoretto
Obra atribuida al Tintoretto no sin controversia, pues algunos críticos pretenden ver en ella la personalidad del Greco en su etapa veneciana. La inmaterialidad de la figura de Cristo, así como los violentos efectos luminosos, podría justificar esta hipótesis. Ya es sabida la influencia que el Greco asimiló de Jacopo Robusti, precisamente en los años en que este cuadro pudo pintarse, después de 1560. 
Sin embargo, la escena de Cristo caminando sobre las aguas del mar de Tiberíades mientras san Pedro se arroja de la barca para salir a su encuentro, plasma perfectamente las características del Tintoretto maduro. Este arte patético corresponde a un momento de transición, en el que aún prevalecen ciertas constantes manieristas y ya se empieza a notar el soplo renovador del barroco.
 
Posted: 14 Jan 2014 03:16 PM PST
Museo de Basilea

Niklaus Manuel Deutsch
Pintado al temple sobre tabla, revela el refinamiento intelectual de un pintor que fue, además, poeta y político. Por su técnica de ejecución produce este cuadro la impresión de un dibujo iluminado, en el que la línea predomina sobre el color y el modelado. En los elementos compositivos es patente un interés erudito, humanista, por reconstituir el ambiente del mundo clásico. No obstante, Paris –identificado por la inscripción que aureola su cabeza- y la figura femenina central (Hera) se hallan ataviados según la moda coetánea de Deutsch. Afrodita aparece ante el troyano con la manzana de la discordia que éste le ha entregado. Dicha fruta fue arrojada entre los invitados a las bodas de Tetis y Peleo por la despechada Eris, hija de la noche, a quien no se había convidado a la fiesta. Puesto que la manzana ostentaba la inscripción “para la más bella”, Hera, Minerva y Afrodita se disputaron su posesión; Zeus encargó a Paris de juzgar la querella. Entregándosela a Afrodita, se aseguraba el troyano el amor de Helena –de ahí el amorcillo que se apresta a disparar su flecha, Paris se dirigió a Esparta y raptó a Helena con ayuda de Afrodita, hecho que sitúa a la diosa en el origen de la guerra de Troya-, si bien a costa de la enemistad de Hera y Minerva, las cuales ayudarían a los griegos en la guerra cantada por Homero.
 

8 comentarios:

  1. Eduardo nació en Hampton Court el 12 de octubre de 1537, siendo el único hijo varón superviviente del rey Enrique VIII de Inglaterra y de su tercera esposa, Juana Seymour, la cual murió doce días después de dar a luz a causa de fiebres puerperales, el 24 de octubre de 1537. El 25 de febrero de 1547 fue nombrado duque de Cornualles. Sin embargo, nunca fue nombrado príncipe de Gales.

    Enrique VIII estuvo encantado con el nacimiento de un hijo varón. Había tenido dos esposas previas, Catalina de Aragón y Ana Bolena, a las que rechazó por ser incapaces de darle un hijo varón. Ambos matrimonios fueron anulados; Ana Bolena fue, además, ejecutada. Las hijas de estos matrimonios –María, hija de Catalina, e Isabel, hija de Ana– fueron declaradas ilegítimas, aunque la última esposa de Enrique VIII consiguió que se reconciliara con ellas y las incluyera en la línea sucesoria después de Eduardo.



    Miniatura de Eduardo VI por un artista anónimo. (c. 1543–46)3
    Eduardo fue un niño extremadamente enfermizo. Se cree que sufría de una forma congénita de sífilis o de tuberculosis. Su fragilidad hizo que Enrique VIII volviera a casarse; lo hizo tres veces más pero no tuvo ningún hijo.

    Las dificultades físicas del príncipe no impidieron que recibiera una buena educación. Eduardo era un niño brillante, capaz de hablar latín a los siete años. Aprendió alemán y griego; a los trece años traducía libros en este último idioma. Eduardo y su prima segunda Juana Grey estuvieron profundamente unidos.
    La inscripción lo insta a superar al padre. Ser mejor que el padre.
    es.wikipedia.org

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    Hans Holbein el Joven

    (Augsburgo, actual Alemania, 1497-Londres, 1543) Pintor alemán. Fue hijo y discípulo de Hans Holbein el Viejo, un pintor del Gótico tardío que se especializó en los retablos y desarrolló un estilo muy influido por el detallismo flamenco. Holbein el Joven se trasladó hacia 1514 a Basilea, donde comenzó a trabajar como ilustrador para los impresores de la ciudad. De 1516 data su primer retrato (El burgomaestre Meyer y su esposa), con el cual inició una carrera de retratista que lo sitúa entre los mejores de todos los tiempos en su género.


    Detalle de un Autorretrato de Hans Holbein (c. 1542)

    En 1517 trabajó en Lucerna, y se cree que de allí pasó a Lombardía, por los cambios estilísticos que manifestó a su regreso a Basilea en 1519. En los años siguientes compaginó el retrato (Bonifacius Amerbach) con la pintura religiosa (Retablo de la Pasión) y los encargos oficiales (decoración de la sala del gran Consejo del Ayuntamiento con escenas de Justicia). Pero lo más sobresaliente de este período son los retratos de Erasmo de Rotterdam, representado en su estudio, y la serie de xilografías sobre la Danza de la muerte.

    Por su visión crítica de la Reforma protestante, hubo de trasladarse a Inglaterra en 1526, portador de una carta de recomendación de Erasmo para Tomás Moro. En Londres ejecutó un retrato de la familia de Moro que constituye un hito en la retratística europea por representar a todos los personajes de cuerpo entero y en el interior de su propia vivienda, algo totalmente inhabitual por entonces.

    En 1528 regresó a Basilea, pero los cambios en el ambiente de la ciudad lo movieron a trasladarse de nuevo a Londres (1529), donde poco después fue nombrado pintor de Enrique VIII. En estos años realizó una magnífica serie de retratos del rey y su familia, así como el retrato Los embajadores, una de sus obras maestras. Por el equilibrio compositivo, la característica riqueza de colorido y la profundización psicológica, sus retratos constituyen creaciones artísticas difícilmente superables.www.biografiasyvidas.com

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    Artistas

    Niklaus Manuel Deutsch
    b. 1484 Berna, Suiza, d. 1530 Berna, Suiza
    diseñador, dibujante, pintor
    suizo

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    Pintor, artista gráfico y diseñador de vidrieras, artista Niklaus Manuel Deutsch fue un verdadero " renacimiento del hombre. " Además, Manuel dedicó gran parte de su vida a la promoción de la protestante Reforma como un soldado, escritor y hombre de Estado. El hijo de Emanuel Alleman, un boticario italiano que había emigrado a Suiza, Manuel adoptó el apellido de su padre hacia 1509, traduciéndolo Deutsch ( alemán). Los estudiosos no saben nada de su formación y se supone que él era autodidacta. Su pintura más temprana fecha, San Eloy en su taller de 1515 de la Anna Retablo , realizado para una iglesia en Berna, muestra la influencia de un artista local y de la obra gráfica de Alberto Durero y Urs Graf. Manuel Deutsch pintó principalmente grandes y coloridas obras de religiosos y clásicos temas. Él representa a menudo las brujas e hizo hincapié en el tema del poder de las mujeres. En 1516 y 1522 Manuel Deutsch luchó como soldado mercenario para los franceses en Lombardía, donde fue herido. Sus últimos cuadros fechados son de 1520, sus últimos dibujos fechados desde 1529. Después de 1521 se dedicó cada vez mayor de energía a la poesía ya la construcción de apoyo a la reforma a través de la administración pública y los escritos políticos, obras de teatro, principalmente.www.getty.edu

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  4. Cuando alguien escucha el nombre de Edvard Munch inmediatamente piensa en "El grito" (1893), su obra mas famosa pero Munch que es el mayor referente del Expresionismo tiene en su haber muchisimas otras pinturas entre las que se encuentra la bellísima "La danza de la vida".

    Óleo sobre lienzo
    125 x 191 cm
    Nasjonalgalleriet, Oslo.

    Edvard Munch, un de sus mejores obras!

    En La danza de la vida, Munch utiliza una escena estival, un baile de verano al aire libre que aún hoy, más de un siglo después, se sigue celebrando en la costa noruega. Sabemos que se trata de Asgardstrand porque ya el paisaje nos es familiar: la luz que proyecta el sol de medianoche , la sinuosa orilla donde se confunden la arena y el prado, o el horizonte en el que se adivina algo más de la costa o un fiordo, trabajando todo con suaves líneas horizontales en las que se funde una paleta de delicados tonos pasteles. EL ritmo de la obra lo consigue el pintor con la disposicion de las figuras en el lienzo, plasmando dos planos narrativos. La naturaleza cobra formas simples pero cargadas de fuerza, que el pintor resuelve con líneas onduladas apenas sugeridas por el moviemiento del pincel; las verticales están definidas por los personajes retratados, el reflejo de la luz y por un pequeño arbusto inclinado del que brotan flores.
    El autor centra la composición a partir de una pareja de baile que aparece en primer término. La vista se dirige allí tras observar el sol: un punto en brillante amarillo que se destaca en el fondo del cuadro, cuyo reflejo sobre el agua tiene una clara connotación sexual; flaqueando por dos figuras femeninas que inmediatamente enlazan con el hombre que baila con la mujer vestida de rojo. Aunque la figura masculina mantiene los ojos cerrados, el pintor logra transmitir una actitud den tensión y expectación, quizá como una invitación a que el baile pase a otro terreno. La seductora mujer vestida de rojo -color que simboliza la pasión- está, a diferencia del hombre, con los ojos muy abiertos, como si se tratara del despertar sexual.
    A la izquierda el pintor nos presenta a otra mujer , ésta cubierta por un virginal vestido blanco; ella sonríe y resaltan sus mejillas sonrosadas. EL balnco realza la pureza y el gesto de arrancar una flor deata que la chica está enamorada, pero, a diferencia de la mujer de rojo, ella representa la primera ilusión del amor, la inocencia con tintes platónicos. Al otro extremo del cuadro, en el lado derecho, una mujer más madura, vestida de negro, con el rostro serio y las manos entrelazadas, observa a la pareja de bailarines con desaprobación, pero a la vez resignada a su propia soledad quizás en ella Munch quería simbolizar lo transitorio de todos los sentimientos.
    Las dos figuras laterales, vistas de izquierda a derecha, contrastan enormemente con la mujer de rojo. A ojos del autor, estas dos figuras señalan el inicio y el final de una historia que, según él, plasmarían la realidad de cualquier mujer a los largo de su vida. Los cuatro personajes principales están acompañados por otras figuras en el fondo, que parecen estar completamente entregadas al frenesí de este baile veraniego. De entre ellas destaca la figura de un hombre en la mitad derecha del cuadro, que parece mirar directamente al espectador con una mueca de éxtasis, completamente arrobado por la pasión del momento, el frenesí del baile y el calor del verano.

    www.taringa.net

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  5. EN EL CONTE GRAND
    La muestra de Da Vinci se queda hasta el 26 de enero
    El Centro Cultural está abierto de lunes a lunes y el costo de la entrada para acceder a la muestra es de $40, $20 para estudiantes, jubilados y niños no pagan.

    MIÉRCOLES, 15 DE ENERO DE 2014
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    La muestra de Da Vinci se queda hasta el 26 de enero
    Una muestra realizada por artesanos italianos que atraviesa los inventos del artista Leonardo Da Vinci es la que se puede ver en el Centro Cultural Amadeo Conte Grand. Son 60 inventos los que se pueden apreciar, todos realizados en madera con la correspondiente explicación al lado. Las familias sanjuaninas podrán disfrutar de esta muestra hasta el 26 de enero.

    Un guía suele acompañar a los visitantes para que vayan despejando todas las dudas que vayan surgiendo en el camino. Además se entrega material didáctico. El recorrido por la muestra implica ver máquinas civiles, elementos de guerra y pinturas del gran Leonardo.

    El Centro Cultural Amadeo Conte Grand está abierto de lunes a lunes, la entrada cuesta $40 para el público en general, para los estudiantes cuesta $20 y los jubilados y los niños no abonan. www.tiempodesanjuan.com

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  6. La Metrología Histórica.

    La Metrología Histórica es la ciencia que estudia la historia de las medidas.

    Antiguamente se medía en codos, pies, palmos, etc. Pero el gran problema en Metrología Histórica es que hay miles de medidas diferentes. Es un caos tan grande que el historiador Gaetano de Sanctis llegó a decir: "La Metrología no es una ciencia: es una pesadilla". Así que en cierto modo se trataba de un puzzle: teníamos muchas de las piezas pero no sabíamos cómo encajarlas. Hasta ahora.

    El modelo de Leonardo Da Vinci.

    La clave está en el modelo propuesto por Leonardo Da Vinci: el Hombre de Vitruvio.

    Contra lo que suele decirse Leonardo no empleó la proporción áurea sino una cuadrícula basada en una "regla" con medidas que está bajo el cuadrado. El cuadrado mide 18 x 18 cm de modo que tenemos las siguientes medidas:

    Hombre = 180, Codo = 45, Pie = 25'71, Palmo = 22'5, Palma = 7'5, Dedo = 1'8, Otras.

    Este modelo de 1'80 m en cuadrícula era tan sencillo que, para poner orden en el puzzle, decidimos aplicarlo y seguir su rastro. Y como era la base de su sistema métrico se encuentra por todas partes. Aparece en Roma, Grecia, Fenicios, Egipto, Sumer, el Valle del Indo... y ayuda a resolver el puzzle.

    Las Pirámides.

    Partiendo de este modelo pueden rebatirse con facilidad distintos análisis de las Pirámides de Egipto como por ejemplo el modelo propuesto por Miquel Pérez-Sánchez para la Gran Pirámide.

    En dichos análisis se suele partir de la unidad de medida llamada "Codo Real Egipcio", aproximadamente 52'5 cm. Asimismo, para expresar la pendiente de las Pirámides, suele emplearse el Seked. Pero como ambos puntos de partida son erróneos las propuestas que derivan de ellos necesariamente también lo son.

    El sistema métrico egipcio se basa en el Hombre de 1'80 m en cuadrícula. En ese Hombre, el codo mide 45 cm. Por lo tanto los llamados "Codos Reales Egipcios" de 52'5 cm no pueden ser codos y de hecho no lo son. Se trata de "reglas" que recogen el modelo humano de 1'80 m en su totalidad.

    En cuanto al Seked (medida de la pendiente de las Pirámides) suele ejemplificarse con un triángulo, afirmando que la altura corresponde al "Codo Real Egipcio" (7 palmas) y la base a 5'5 palmas. El problema es que dicha interpretación es incorrecta: la altura no es un "Codo Real" (7 palmas).

    En definitiva, los análisis de las Pirámides que se basan en dichos puntos de partida son erróneos. Sin embargo, podemos demostrar que empleando el sistema métrico egipcio (el Hombre de 1'80 m en cuadrícula) el análisis de las Pirámides de Keops, Kefrén y Micerinos es bastante sencillo.

    Para terminar.

    Tras dos años de investigación (y seis artículos registrados en el Registro de Propiedad Intelectual) somos conscientes de que es imposible continuar este trabajo de manera individual. Por eso queremos solicitar desde aquí la colaboración de todos aquéllos especialistas interesados en este tema. Muchas gracias. Luis Castaño.

    Teléfono de contacto: 654-64.20.87. Mail de contacto: luiscastano.1@hotmail.com
    www.europapress.es

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  7. Nacionalidad: Italia
    Venecia 1518 - Venecia 1594
    Pintor
    Renacimiento Italiano
    Venecia , Escuela Italiana

    Obras: 63
    Galería
    Alfabético
    Cronológico


    Comentario

    Tintoretto es el apodo que ha hecho famoso a Jacopo Robusti, el otro gran maestro, junto a Tiziano, de la Escuela veneciana del Renacimiento italiano. Nacido en Venecia en el año 1518, era hijo de un tintorero de sedas, de donde le viene el sobrenombre. Sobre el principio de la vida artística de Tintoretto hay mucha leyenda; se dice que entró en el taller de Tiziano pero fue expulsado por el maestro a los diez días porque envidiaba sus dibujos, así que abrió un taller en el que se ofrecía con el eslogan: "El dibujo de Miguel Ángel y el color de Tiziano". Lo más probable, abandonando aspectos legendarios, es que iniciara su aprendizaje con algún pintor manierista que le puso en la pauta del nuevo estilo. En 1539 ya se establece como maestro y su pasión por pintar es tal que pinta casi gratuitamente, cobrando sólo el material y algo para mantenerse; esta actitud atrae a una importante clientela que levanta los recelos del gran Tiziano. Tintoretto se convierte en el pintor de los escorzos y de las diagonales: la violencia de sus obras es tan personal que hace que sean identificadas de manera fácil. Se puede decir que es el Rubens veneciano. Su fama aumentó en proporción a los encargos, lo que le obligó a abrir un importante taller en el que trabajaban sus hijos Domenico y Marco, y su hija Marietta, más conocida como la Tintoretta. El Palacio Ducal y las grandes Scuolas son sus principales clientes, destacando la decoración realizada para la Scuola Grande di San Rocco, en la que se puede apreciar al mejor Tintoretto. Casado con Faustina Episcopi desde 1550, su vida se desarrolla entre su casa y su estudio, ambos en el mismo edificio, la Fondamenta dei Mori. El 31 de mayo de 1594 fallecía Jacopo Robusti, el Tintoretto, en la Venecia que le vio nacer y triunfar.

    www.artehistoria.jcyl.es

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  8. "La atribución del retrato de Ginevra Benci a Leonardo cuenta con aceptación general. Esta pintura tiene la particularidad de que por un lado refleja modelos flamencos y, por el otro, caracteriza al objeto del retrato simbólicamente de una manera poco común: Leonardo pinta a Ginevra Benci con un enebro situado detrás de ella, que representa gráficamente su nombre ( en italiano ginepro: enebro).
    El retrato está fechado antes de 1474, el año de su boda. Sin embargo, hace unos años se identificó un emblema del humanista ( Pietro Bembo (1470-1547) en el revés de la pintura, se supone que el cuadro se llevó a cabo más tarde.
    Probablemente Bembo encargó el cuadro entre 1475 y 1476, durante su estancia en Florencia, ya que a partir de las fuentes se sabe que le unía una amistad intelectual con Ginevra.
    La investigación técnica de esta pintura ha sacado a la luz momentos de interrupción y huellas dactilares. La últimas investigaciones nos indican que difuminando el óleo húmedo con el pulpejo o el dedo, Leonardo pretendía obtener matices más tenues y suaves que los que conseguía con el pincel. Este tipo de pruebas podían servir entretanto para acreditar otras pinturas de Leonardo".
    Peter Hohenstatt, Grandes Maestros del Arte Italiano: Leonardo da Vinci, Barcelona www.ullmann-publishing.com 2007

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