domingo, 30 de junio de 2013

MUSEO DEL ARTE/ JAPOCO ROBUSTI TINTORETTO/ VINCENT VAN GOGH

Museo del Arte


Posted: 19 Jun 2013 11:56 AM PDT
Museo de Sao Paulo

Jacopo Robusti Tintoretto
La composición ha sido construida sobre una de las diagonales del lienzo, sobrecargando la parte izquierda con una masa de personajes que asisten a la exposición pública del reo azotado.
 Compensa este efecto la escalera que asciende hacia el pretorio, sobre cuyos peldaños tan sólo aparecen tres figuras humanas y un perro adormecido, Jesús y sus verdugos, a un nivel más alto que el populacho, constituyen un grupo homogéneo en el que se evidencia una tensión emocional, traducida por la flexión de sus miembros y la curvatura de sus cuerpos. La efigie de Poncio Pilatos, con la mano diestra sobre el pecho, alcanza un especial valor narrativo. Con objeto de resaltar los dos grupos de personajes que integran el cuadro, ha utilizado Tintoretto el procedimiento de superponerlos a fondos de iluminación muy distinta; el populacho se recorta sobre un celaje de ocaso recorrido por trágicas nubes, mientras que Cristo y sus acompañantes destacan ante una masa arquitectónica en penumbra, carente de interés pictórico. Examinada con frío racionalismo, la obra posee equilibrio compositivo, lo que no obsta para que produzca un efecto de hondo dramatismo. Éste es, sin duda, uno de los logros que el artista se propuso.
 
Posted: 19 Jun 2013 11:50 AM PDT
Museo del Ermitage, San Petersburgo

Vincent Van Gogh
Van Gogh fue a ver una corrida de toros que se celebraba en la plaza romana de Arles y se sintió impresionado por el espectáculo; el acontecimiento se convirtió en ocasión para una de las escasísimas escenas de multitudes pintadas por el artista. Los verdaderos protagonistas de la jornada -el torero y los animales- son incluidos en realidad sólo de forma marginal en la representación. La atención de Vincent se centra en las gradas, encuadradas desde lo alto, donde se agolpa la gente. El artista no se detiene a describir individualmente a las personas y hasta las más cercanas al punto desde el que toma la imagen están poco más que abocetadas. Van Gogh se acercó mucho, en este cuadro, a las soluciones de Gauguin, llegando también a renunciar a su habitual colorido "gritón" por una casi monocromía terrosa, rota por los contornos negros con que están trazadas las figuras.
 

sábado, 29 de junio de 2013

LA MÁQUINA DEL TIEMPO DIECISÉIS AÑOS DESPUÉS...

16 años después...
Poema de la Semana
Libro de la Semana
Capítulo II - Por Nanci Ullman
Prosa
El ángel planeador - Por Armonía Somers
Poema
Carta - Por Eladio Cabañero
Crítica literaria
Sobre Capítulo II de Nanci Ullman - Por Hernán A. Isnardi
Sobre Nostalgia, de Mircea Cartarescu - Por Hernán A. Isnardi
Taller Literario **TALLERES 2013 **
Taller literario presencial o virtual, desde cualquier lugar del mundo
Libros RecomendadosLa escritura obsesiva, de Salvador Elizondo
Un cuarto propio de Virginia Woolf
Capítulo II - Por Nanci Ullman
Franny y Zooey - Por J.D.Salinger
Nostalgia - de Mircea Cartarescu
El divan victoriano -
por Marghanita Laski

El hombre visible -de Béla Balázs La gran ventana de los sueños - de Rodolfo Fogwill 

de mi biblioteca:
La escuela de Wallace Stevens - por Harold Bloom 
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Nueva Librería Virtual "La Máquina del Tiempo"agotados, raros, ediciones perdidas en el tiempo y demás joyas...
Librería virtual "La Máquina del Tiempo"Muchos libros nuevos incorporados
NÚMERO ESPECIAL destacado de este mes
Franz Kafka
La Máquina del Tiempo, elegida la mejor revista cultural personal on-line por el Fondo Nacional de las Artes, año 2012, y ese mismo año, el proyecto editorial de La Máquina del Tiempo, declarado de la Honorable cámara de Diputados de la Naciónde interés.
En breve, presentaremos la nueva Máquina del Tiempo, diseñada de cero, que incluirá entre muchas novedades, foros de discusión, videos, y audios de escritores.
    Muchas Gracias
         Hernán Isnardi 
               director

hernan@lamaquinadeltiempo.com
  www.lamaquinadeltiempo.com
        sinnombrecomo.com.ar        www.lamaquinadeltiempo.com

viernes, 28 de junio de 2013

LA SEMANA EN EL ARTE- DA LA BIENVENIDA AL RESTO DEL PLANETA

Art Weekly

Da la bienvenida al resto del planeta - la semana del arte

Los revolucionarios de México, las estrellas olvidados por largo tiempo de Sudán, y todo el Museo de Arte Africano Contemporáneo éxitos del Reino Unido. Además de la casa que le permite levitar - todo en su rodeo arte
MéxicoVer imagen más grande
José Chávez Morado, Carnaval en Huejotzingo (Carnaval de Huejotzingo), 1939. Haga clic para agrandar. Fotografía: © DACS 2012

Exposiciones de la semana

México : Una revolución en el arte, 1910-1940
¿Cuándo el arte de las Américas primero convertirse influyente a nivel mundial? ¿Fue cuando Jackson Pollock puso lienzos en el suelo y goteaba la pintura sobre ellos? Wrong. En el siglo 20, el arte de la revolución mexicana deslumbró a los europeos y norteamericanos por igual con una libertad visionario audaz y nueva sensación de espacio. Esta exposición retoma una de las grandes historias del arte moderno, en el que muralistas como Diego Rivera y José Clemente Orozco hizo arte social en alcance y escala. Pollock se inspiró en ellos para pintar grandes. Este es el poder liberador del arte moderno en su más político.
• Royal Academy , Londres W1J del 6 de julio al 29 de septiembre

Otras exposiciones de esta semana

Ibrahim El-Salahi
Este modernista sudaneses que incorpora temas africanos y árabes en un estilo no muy diferente de Henry Moore y Graham Sutherland recibe su primera exposición major británica.
• Tate Modern , Londres SE1 del 3 de julio al 22 de septiembre
Eduardo Paolozzi
Los collages de Eduoardo Paolozzi son los sueños de la sociedad de consumo pegado juntos de revistas americanas por un artista en la austeridad del Reino Unido - visiones del pop de lo que ha de venir.
• Pallant House Gallery , Chichester PO19 del 6 de julio al 13 de octubre
El espíritu de la utopía
La idea de la utopía ha sufrido altibajos en el pensamiento político desde que fue inventada por Tomás Moro en el Renacimiento, pero sigue vivo en los artistas de este espectáculo como Peter Liversidge, Superflex y Theaster Gates.
• Galería Whitechapel , Londres E1 del 4 de julio al 05 de septiembre
Meschac Gaba
El Museo de Arte Africano Contemporáneo es una instalación que combina la estructura de un museo con la atmósfera de un mercado de África occidental.
• Tate Modern , Londres SE1 del 3 de julio al 22 de septiembre

Obra maestra de la semana

TezcatlipocaMáscara del mosaico de Tezcatlipoca, Mexica / mixteco, 15 y 16 de siglo AD. © Los fideicomisarios del Museo Británico.Máscara del mosaico de Tezcatlipoca, Aztec / mixteco, siglo 15th/16th
El arte de México llega profundamente a la historia. A la llegada de los conquistadores españoles en el siglo 16 se enfrentaron a la majestuosa y cruel imperio azteca, cuyo arte es tan ardiente y vibrante como sus sacrificios eran terribles.
• Museo Británico , Londres WC1B

Imagen de la semana

Dalston HouseVisitantes posan en la ilusión óptica de instalación Dalston fotografía de la Casa del artista argentino Leonardo Erlich: Lucas Macgregor / REUTERS

Lo que hemos aprendido esta semana

Que cada uno de ustedes puede volar - y trepar por edificios como Spidey
Que una nueva cámara capta no sólo imágenes, sino su favorito huele demasiado
Cómo sexy del nuevo espectáculo Vermeer es
Lo mejor de Arles festival de fotografía parece - una semana antes de que se abre
Eso LS Lowry era un cobrador de la renta Tory - y que se le ofreció el doble de trabajo como crítico de arte de The Guardian
¿Cómo cerrar la brecha chica en el mundo del diseño

Y por último ...

Comparte tu arte sobre el agua (que ahora es aún más fácil a través de GuardianWitness )
Echa un vistazo a nuestro Tumblr
www.guardian.co.uk

MUSEO DEL ARTE/ JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER/ VINCENT VAN GOGH / TIZIANO

Museo del Arte


Posted: 26 Jun 2013 10:30 AM PDT
Museum of Fine Arts, Boston

Joseph Mallord William Turner
La obra está inspirada en un hecho real narrado en la Historia de la abolición de la trata de negros, de Clarkson. Con objeto de beneficiarse de la indemnización de la compañía aseguradora, el capitán de un navío mandó arrojar al mar su cargamento de esclavos, afectados por una epidemia.
 
Posted: 26 Jun 2013 10:26 AM PDT
Metropolitan Museum de Nueva York

Vincent Van Gogh
Representa a madame Ginoux, propietaria del café de Arles donde el artista acostumbraba a pasar la velada y que fue a su vez el tema de diversos cuadros. La arlesiana es fruto del período de convivencia con Paul Gauguin cuando Vincent veía realizado su sueño de dar vida a un "taller del sur", un estudio en el cual varios pintores pudieran trabajar en común. Esperaba que cultivarían los mismos temas y motivos para comparar los puntos de vista individuales y elaborar un arte nuevo y coral. El artista escogió uno de sus deslumbrantes contrastes cromáticos, típicos del período de Arles, combinando con la masa oscura de la mujer un fondo de amarillo vibrante. A pesar de esta pantalla monocroma, el cuadro muestra una cierta profundidad gracias al semicírculo de la mesa verde y a la colocación del personaje, de tres cuartos. Van Gogh elige un encuadramiento original, desacostumbrado, como si se tratase de una instantánea, que abarca solamente un trozo de mesa y corta una esquina del libro abierto fuera del objetivo.
 
Posted: 26 Jun 2013 10:21 AM PDT
Museo de Sao Paulo

Tiziano
El artista adopta en este lienzo de grandes dimensiones un esquema –figura de cuerpo entero, en tres cuartos de perfil, desplazada hacia un lado y con un cortinaje de fondo- que gozó de gran aceptación en su época. Tiziano resuelve el encargo con una gran sobriedad de medios, situando la figura en la media luz de un salón. Como corresponde a la moda del momento, su indumentaria es oscura, lo que determina en la representación pictórica que el personaje se funda con la penumbra de su entorno. Las manos y el rostro resaltan con su tono claro de la opacidad circundante, tan sólo animada por la vibración lumínica del terciopelo carmesí, los reflejos del reloj de sobremesa y la clara opacidad del papel desplegado ante él. Un análisis apurado revela que el lienzo fue construido con técnica espontánea y fácil pincelada, empastando el color en amplias superficies destinadas a producir el deseado efecto de conjunto.
 

jueves, 27 de junio de 2013

ENTREVISTA: NICOMEDES FEBRES: "NO CREEMOS EN LAS RELIGIONES ESTÉTICAS"

Nicomedes Febres: "No creemos en las religiones estéticas"

"Hemos llegado a las 21 ediciones, quizás los 21 años más difíciles de la historia venezolana"(...) "Toda estrategia que sirva para masificar yo la veo positiva, el problema es la chambonería", dice el organizador de la Feria Iberoamericana de Arte.

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Para Febres el arte es un instrumento de cambio social (Enio Perdomo)
ÁNGEL RICARDO GÓMEZ |  EL UNIVERSAL
lunes 25 de junio de 2012  12:00 AM
Nicomedes Febres es médico, pero su pasión por el arte lo ha alejado de la ciencia... Aunque, a decir verdad, se siente afin al pensamiento del alemán Joseph Beuys, quien sostenía que "todo ser humano es un artista". El organizador de la Feria Iberoamericana de Arte (FIA) recuerda: "Joseph Beuys es un artista que al final de su vida no creía en el arte sino en la ciencia. Es uno de los más importantes de la segunda mitad del siglo XX en Alemania y quizás en Europa. Él pensaba que el arte era un instrumento. Por ejemplo, en la Documenta de Kasell había un problema ecológico: un bosque había desaparecido,y su obra fue rehacer el bosque; hoy en día ese bosque se ha renovado, pero es una obra de arte, ecológica, científica, y brinda bienestar a la gente. Hoy el concepto de arte es más amplio".

Precisamente, conceptos como "estado de bienestar cultural" y "el arte como instrumento de cambio social", forman parte de la ideología de la FIA, en su sentido más amplio. Así lo sostiene y lo demuestra Febres, quien celebra la edición número 21 de un evento que es un referente nacional e internacional. 

-¿Qué trae la FIA este año?

-FIA es un proyecto cultural privado de largo aliento. Hemos llegado a las 21 ediciones, quizás los 21 años más difíciles de la historia venezolana. Y aún así, puedo decir que este año hemos podido darle forma a un proyecto que teníamos madurando hace algún tiempo, que es FIA Social. Este año lo hemos expresado a través de un proyecto que se llama FIA Todoterreno. La educación es la primera prioridad de la población venezolana, entonces cómo hacer para que la cultura se vuelque hacia el tema de la educación en especial, de las clases más desposeídas, que siempre ha sido una preocupación nuestra. En esta ocasión hemos hecho unas alianzas para desarrollar proyectos en zonas populares (plaza Las Vegas y barrio San Blas de Petare, y Los Teques). El otro proyecto: esel Jóvenes con FÍA 2.0. 

-La FIA fue la tercera feria que se inauguró después de las de Miami y Bogotá. Estas han desaparecido mientras que la venezolana continúa. ¿Cuáles han sido los ingredientes que han hecho que la FIA se mantenga a pesar de experimentar un entorno menos favorable que el de las dos ciudades mencionadas?

-Cada año es como más difícil, pero al mismo tiempo se le va a uno endureciendo la piel, no solamente a los organizadores, sino al público y a los artistas. Y eso es bueno, porque en la adversidad es que uno se crece y adquiere la resistencia para soportar. Además, siempre hemos tenido la suerte de tener la adaptabilidad, porque FIA no es un dinosaurio, sino que se replantea todos los años. Lo primero que hacemos al terminar cada edición es hacer autocrítica. Nunca vamos a alcanzar la perfección, pero estamos conscientes de la perfectibilidad del evento y de la institución. 

-Una de las debilidades es que el componente iberoamericano es cada vez menor. 

-Esa es una realidad. La turbulencia no estimula a nadie a hacer turismo; sin embargo, mucha gente viene, expositores y visitantes. Toda feria es un sitio de encuentro para todos los ámbitos, es decir, si hay una Feria de Arte en Buenos Aires, muchos curadores van a ver qué está sucediendo, y hay cosas que ocurren al margen mismo de la institución. Por ejemplo, cuando te digo que un restaurante pasa de 80 a 100 cubiertos porque está la FIA, no quiere decir que eso es un beneficio económico para nosotros como institución, lo que quiero decir es que eso es un beneficio colectivo. 

-Pero sí hay un beneficio económico ¿Es rentable la FIA? 

-No es el gran negocio. Es básicamente un asunto espiritual. Lo que pasa es que la gente elucubra. Al final, una feria no es más que un mercado donde cada quien lleva su producto, pero el que organiza el mercado no tiene por qué pedir comisiones de nadie, no es correcto ni ético, cada quien vende sus productos. 

-Pero para los galeristas debe funcionar ¿no? 

-Muchas veces, viene gente de afuera, es un intercambio cultural y comercial. 

-¿Qué tanta gente viene de afuera? ¿Tienen eso contabilizado?

-No podemos llevarlo. Sí recuerdo que en los años 90 llegaban aviones de distintas ciudades de Europa y Estados Unidos, que venían a hacer una suerte de tour turístico. Cuando estábamos en el Hilton, mucha gente se iba de Caracas a Margarita, Los Roques, Canaima... De hecho, más de una docena de galeristas llegaron a tener casas en Margarita. Eso ha cambiado, ahora están esperando que mejore la situación para regresar. 

-Han sostenido que el espacio del Hotel Tamanaco ya les queda pequeño ¿Se han planteado otros escenarios?

-No hay otro espacio con las comodidades que nos da el Hotel Tamanaco pero desde luego, nos está quedando pequeño. Creo que es un imponderable que, por ahora, no podemos controlar. 

-¿Ve a Cacri: Caracas Arte Contemporáneo, como una feria paralela? ¿Qué opinión le merece?

-La verdad es que no sé, no conozco mucho. Me ha llegado por supuesto el rumor, es gente que siempre ha estado como muy ligada a nosotros, pero no sé si es una feria o qué. 

-¿Y considera que eso es positivo?

-Primero tienen que suceder las cosas para nosotros poderlas evaluar. 

-¿Sigue siendo la FIA un espejo de lo que ocurre en el arte venezolano?

-FIA como institución no tiene posición política, ni religiosa, ni estética. Cada uno de los miembros de FIA puede tenerla pero la institución como tal no la va a tener nunca porque entonces dejaría de ser una institución. Nosotros no creemos en las religiones estéticas, plásticas ni ideológicas, y lo importante es que todo el mundo, con la crisis que vive el país, pueda poner un pan en su mesa. 

-Definitivamente la FIA sería otra después del 7-O ¿Cómo se la imagina?

-Prefiero no especular. Cuando lleguemos al día 8 empezaré a pensar en ese escenario. 

-Por último, sería interesante su opinión con respecto a las recientes declaraciones del director del Museo de Bellas Artes, Rubén Wisotzki, quien ha reconocido que a través de réplicas de obras de arte de la cultura egipcia se intenta masificar el museo. 

-Toda estrategia que sirva para masificar la presencia del público en los museos yo la veo positiva, el problema es la chambonería, y cuando tú escoges algo ilegítimo como unas réplicas de este tipo, generas un contrasentido porque uno de los grandes logros del arte del siglo XX, es la originalidad, así como antes era la belleza. La belleza es un tema del arte, pero no es el tema del arte. La originalidad es un tema, no el tema. La tecnología es un tema, no el tema. Quien hace los retratos no es la cámara sino el artista, quien hace el cuadro no es el pincel sino el pintor, siempre está el hombre como el eje central del desarrollo del arte. 

-¿Cree en el arte socialista? 

-Hay realismo socialista, inclusive. Yo estoy coordinando el número de una revista de varios críticos y pensadores, en la que se va hablar de arte y realismo socialista en Venezuela. Paradójicamente, los grandes creadores del arte abstracto del siglo XX son los pensadores socialistas del comienzo, los suprematistas rusos, Marc Chagall... que fueron inmediatamente perseguidos, porque había que construir una Iglesia donde se emulaba a Lenin y Stalin, y ahí no se permitía más nada que el culto a la personalidad.www.eluniversal.com-enviado por www.arteinformado.com
Joseph BEUYS, 1974

miércoles, 26 de junio de 2013

MUSEO DEL ARTE/ VINCENT VAN GOGH, FRANCESCO DI GENTILE, ANOTONIO RAFAEL MENGS

Museo del Arte


Posted: 18 Jun 2013 11:43 AM PDT
Kröller-Müller Museum, Otterlo

Vincent Van Gogh
El descubrimiento de los cipreses fue para Van Gogh el acontecimiento más importante de junio de 1889, "Los cipreses tienen líneas y proporciones tan bellas como los obeliscos egipcios". 
Un sentido de urgencia y de tensión parece envolver el cielo. La composición fluye veloz en todas las direcciones, alejándose del polo constituido por el ciprés. Cada elemento se prolonga en el que está al lado. En la representación de la luna intuimos también la parte no visible. Van Gogh pinta las estrellas con un círculo de pinceladas amarillas, verdes y blancas, sobre un cielo que empieza a oscurecer. Las figuras de los dos hombres, pequeñísimos en comparación con el ciprés, así como la del carro que se aproxima, parecen perdidas en la inmensidad del movimiento cósmico que les rodea y que fluye en torno a ellas.
 
Posted: 18 Jun 2013 11:37 AM PDT
Pinacoteca Vaticana

Francesco di Gentile
Aunque realizó su aprendizaje en el taller de su padre, Gentile da Fabriano, ello no supuso en modo alguno la continuación de un estilo tradicional, sino tan sólo la adquisición de un bagaje técnico que le permitiría hallar los propios caminos de expresión plástica. Así lo demuestra esta composición, en la que las dos figuras -la Virgen de medio cuerpo- adoptan actitudes estáticas y laxas. La frontalidad de la efigie mariana, así como el detalle del libro que sujeta con la mano izquierda, pueden achacarse al deseo de respetar un tipo iconográfico acreditado en el arte italiano anterior. Las carnaciones han sido tratadas con una técnica del claroscuro que se sirve de toques de pincel paralelos; idéntico procedimiento proporciona los volúmenes y sombras que dan vida a los ropajes. Excepto en las aureolas y en el broche que sujeta la toca de la Virgen, el artista ha prescindido del dorado, prefiriendo un fondo de celaje nuboso poblado por formas de gran originalidad. Finalmente, el detalle que ha servido para bautizar el cuadro: una gran mariposa, de especie perfectamente clasificable en términos entomológicos, que vuela majestuosamente junto a las figuras, a la derecha de la composición.
 
Posted: 18 Jun 2013 11:30 AM PDT
Museo del Prado

Antonio Rafael Mengs
Mengs, como todos los rococó, se muestra mucho más penetrante y sincero en el capítulo del retrato. Aunque desde el punto de vista técnico están cargadas sus obras de excesivo refinamiento y consiguen la apariencia de un esmalte o un cromo, sin embargo, debemos hacer constancia de la psicología de Mengs para brindarnos un fiel retrato anímico de sus personajes. Nos ha dejado un admirable muestrario de retratos reales y nobiliarios que, sin duda alguna, representan los mejor de su obra.

UNA RUPTURA DE LA REALIDAD: LO SINIESTRO/ SERGIO ROCCHIETTI

Una ruptura de la realidad: lo siniestro
>Sergio Rocchietti
(ùltimas notas abiertas de SR -breve editorial << Vanesa Guerra) (*)

> Una ruptura de la realidad provocada por distorsión de los escenarios visuales que nos proveen la coordinación equilibrada de realidad y fantasma.
Cuando vivimos en nuestra realidad, cuando la surcamos sin sobresaltos, estamos en una realidad equilibrada y coordinada entre espacios exteriores (realidad) y espacios interiores (fantasma). Utilizamos esta distinción clásica para mostrar una "realidad normal", la del principio de realidad freudiano, que está perfectamente ensamblada en sus lugares de ajuste y acoplamiento.

UNA RUPTURA DE LA REALIDAD: LO SINIESTRO. (Ver cartas)
Cuando S. F. publica en 1919 "lo ominoso" o "lo siniestro" según las distintas traducciones, recuperaba para el psicoanálisis un tema anterior al que ya se habían referido los escritores románticos, pero - siempre hay que establecer salvedades con Freud- lo va a ubicar en nuevas coordenadas.

- EL LIMITE DE LA ESTETICA
-IR HACIA EL LENGUAJE Y SUS SIGNIFICADOS
-DEFINICION DE LO SINIESTRO
Lo ominoso es aquella variedad de lo terrorífico que se remonta a lo consabido de antiguo, a lo familiar desde hace largo tiempo.
S.F.: "El maestro inigualado de lo ominoso en la creación literaria" ETA Hoffman > El hombre de la arena
Principio de realidad
Interior- exterior            
principio de placer

Equilibrados           distorsiones

ajustados               fisuras

acoplados              desacoplados

Relación Yo - otros----------------El doble, el autómata, la muñeca -----diferente a el 
                                               mismo ( mismidad)
(mantenida y estable)

Tumos-horror-siniestro--------------ANGUSTIA

PARA NOTA: Nuestro tiempo, el actual, lleva su transcurrir un incremento de lo sensorial. Paul Virilio destaca que las comunicaciones en tiempo real hacen un lugar central al tiempo presente. La experiencia del presente a su vez hace al principio del sentir como la nota destacada de nuestra post-modernidad.
Podríamos ser breves, muy breves y plantear que lo siniestro es una ruptura de la realidad y ya. Dejaríamos así establecida nuestra posición y obtendríamos la eficacia de lo exiguo. Esa eficacia nos impediría muchas otras cosas. Por supuesto que seguimos afirmando que lo siniestro aparece en una de las grietas de la ruptura de la realidad pero hay otras grietas y hay otras rupturas. Y ni que hablar de la realidad. No la establecemos nosotros. Ya está establecida y uno la acepta o no. Los modos de aceptar la realidad, de participar de ella, de intervenir en ella no nos atañen.
Volvemos a establecer: Lo siniestro aparece en las grietas de la realidad cuando ésta se rompe siguiendo o consiguiendo condiciones en su ruptura.
//fin de nota- cuaderno//
2
Una ruptura de la realidad: lo siniestro

“Es muy raro que el psicoanalista se sienta proclive a indagaciones estéticas, por más que a la estética no se la circunscriba a la ciencia de lo bello, sino que se la designe como doctrina de las cualidades de nuestro sentir. El psicoanalista trabaja en otros estratos de la vida anímica y tiene poco que ver con esas mociones de sentimiento amortiguadas, de meta inhibida, tributarias de muchísimas constelaciones concomitantes, que constituyen casi siempre el material de la estética. Sin embargo, aquí y allí sucede que deba interesarse por un ámbito determinado de la estética, pero en tal caso suele tratarse de uno marginal, descuidado por la bibliografía especializada en la materia.
Uno de ellos es el de lo «ominoso». No hay duda de que pertenece al orden de lo terrorífico, de lo que excita angustia y horror; y es igualmente cierto que esta palabra no siempre se usa en un sentido que se pueda definir de manera tajante. Pero es lícito esperar que una palabra-concepto particular contenga un núcleo que justifique su empleo. Uno querría conocer ese núcleo, que acaso permita diferenciar algo «ominoso» dentro de lo angustioso.
S. Freud Lo siniestro (inicio)
El límite de la estética:
Ahora bien, sobre esto hallamos poco y nada en las prolijas exposiciones de la estética, que en general prefieren ocuparse de las variedades del sentimiento ante lo bello, grandioso, atractivo (vale decir, positivo), de sus condiciones y los asuntos que lo provocan, y no de lo contrastante, repulsivo, penoso.
Idem ant.
Definición de lo siniestro:
Pueden entonces emprenderse dos caminos: pesquisar el significado que el desarrollo de la lengua sedimentó en la palabra «ominoso», o agrupar todo aquello que en personas y cosas, impresiones sensoriales, vivencias y situaciones, despierta en nosotros el sentimiento de lo ominoso, dilucidando el carácter escondido de lo ominoso a partir de algo común a todos los casos. Revelaré desde ya que ambos caminos llevan al mismo resultado: lo ominoso es aquella variedad de lo terrorífico que se remonta a lo consabido de antiguo, a lo familiar desde hace largo tiempo. ¿Cómo es posible que lo familiar devenga ominoso, terrorífico, y en qué condiciones ocurre?
Idem ant.
"nos atreveríamos a reconducir lo ominoso de El Hombre de la Arena a la angustia del complejo infantil de castración".
Idem ant.
se tiene un efecto ominoso "cuando se borran los límites entre fantasía y realidad"
y ante la visión de los genitales femeninos (La cabeza de Medusa).
Relacionar lo siniestro con el malestar.
//fin de nota- archivo//
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> 
 La presente  Una ruptura de la realidad: lo siniestro la escribió Sergio Rocchietti creeríamos que el día anterior a fallecer. A mano alzada, tinta azul, la leemos, última, en su cuaderno de notas.
Creeríamos que  pertenece al cuerpo de otra nota editorial con la que presentaría esta entrega de Psicoanálisis y Lo siniestro que hemos agregado al final de la misma.
Optamos en ambos casos por dejarlas así, como han quedado:
¿inconclusas?-abiertas; y aunque intuitivas al tiempo que sugerentes, se podrá advertir en ellas los textos con los cuales SR está dialogando. Aún se podría arrojar al aire un puñado de hipótesis.
Pero hemos pensado que esas hipótesis podrían hacernos trastabillar, en el sentido de correr el riesgo de querer cerrar lo que debe permanecer abierto, pues cerrar y concluir no necesariamente es una estética mayor; en estos lares lo abierto siempre es y ha sido maravilloso:
lo abierto como gesto dador,
lo abierto como modo o modalidad de lo generoso:
quien quiere toma, quien quiere piensa, quien quiere espera y así
lo abierto habita en lo que fluye.
Marcela Rabuffetti recordaba -mientras leía en voz alta fragmentos del cuaderno que hoy compartimos- una idea de E. Cioran
“Regla de oro: dejar una imagen incompleta de sí mismo.”
Y es cierto en este tiempo SR había hecho nuevas migas con Cioran, y hasta en el patiecito de la casa de Saavedra -que después se llevó la inundación- había vuelto, entrado el verano, con esas frases tremendas y sabias que nos hacían sentir risueños,  apasionadamente antidogmáticos y por qué no fecundamente irreparables.
Habrá que leerlo otra vez, pienso, y atender a eso de regresar a un texto no tanto por invitación como por aquello de seguir una pista que puede ser falsa.
Así, entre lo abierto y lo cerrado, habría líneas de lectura para pensar lo siniestro - lo que se vuelve extraño o lo que se vuelve familiar-
revés peculiar si lo hay (el último)  porque nos devuelve o nos lleva hacia aguas calmas –basta con escuchar a quien haya cruzado sin desearlo las horrendas grandes aguas de una crisis de angustia o de un ataque de pánico, por ejemplo, -digo:  salirse de ahí hasta nueva vuelta, salirse bien parado, o restado de alguna vida a las siete del gato, es una experiencia atendible, y no menos pavorosa.
Como sea, estas son las notas o borradores del estribo, producción que evidencia el movimiento de un modo del pensar para componer un texto; en el mejor de los casos resignificará y dialogará con ideas de escritos anteriores diseminados en la revista.
En esta edición decidimos publicarlas como guiños posibles que acompañarían la lectura de los trabajos de este número de junio 2013 que SR seleccionó y por unos poquísimos días no consiguió editar:
Sugerimos poner en relación los siguientes ensayos anteriormente editados sobre Lo siniestro:
Vanesa Guerra
Con-versiones, junio 2013

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         www.con-versiones.com