Museo del Arte
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- Reunión de artistas en el taller de Isabey / Louis-Léopold Boilly
- Retrato del pintor Antón Peschka / Egon Schiele
- San Agustín / Sandro Botticelli
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Posted: 13 Mar 2013 05:16 AM PDT
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Boilly creó un nuevo género pictórico dentro de la pintura francesa con esta representación festiva de artistas vivos, que aúna la comedia de salón y el panteón de artistas. Los héroes modernos de la cultura están rodeados de retratos de antiguos maestros que penden de las paredes. La diosa Minerva con las alegorías del arte preside la reunión.
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Posted: 13 Mar 2013 04:44 AM PDT
 Egon Schiele
Cinco años más joven que Schiele, Peschka frecuenta con él la Academia de Viena y en 1914 se casa con la hermana del artista, Gertrude. El 5 de febrero de 2001 la pintura fue vendida en una subasta de Londres por 7,7 millones de libras.
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Posted: 13 Mar 2013 04:39 AM PDT
 Sandro Botticelli
El fresco muestra al influyente Padre de la Iglesia (354-430) en su estudio, rodeado de instrumentos astronómicos y libros; el birrete episcopal indica su condición de obispo de Hipona (África). El contenido de la representación hace referencia también al fresco contiguo, en el que figura san Jerónimo. El reloj del fondo marca la hora anterior a la salida del sol, momento de la muerte de san Jerónimo en un convento cercano a Belén. Conmocionado por la visión de la muerte, el Padre de la Iglesia muestra una actitud circunspecta, con la mano en el pecho y la mirada baja. El gesto patético se ve realzado por la perspectiva inferior, un rasgo frecuente en el arte de Botticelli.
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ResponderEliminarLouis Leopold Boilly
El pintor y litógrafo francés Louis-Leopold Boilly nació 05 de julio 1761 en La Bassée en el norte de Francia. Él es famoso por su observación precisa de escenas cotidianas de la París post-Revolución en la que se muestra la diversidad de la vida urbana en todas sus facetas. El trabajo de Boilly refleja los cambios radicales que la transición del antiguo régimen a la Primera República trae consigo,. Por lo tanto, estas descripciones son de gran valor para los historiadores
Hijo tallista, Boilly proviene de una familia de simple, pero no, como a menudo se supone erróneamente personas de una familia pobre. En la provincia del norte de Francia, a principios Boilly construye su reputación como un pintor y cuenta con un amplio directorio antes de ir a París en 1785, mientras que un artista ya establecido sin dejar de prueba antes de que sus posibilidades de el mercado de la ciudad. Su primera exposición tuvo lugar en el Salón de París en 1791. Un especial sentido de la eficiencia económica caracteriza Boilly, después de mudarse a la capital, que se adapta a su perfil artístico de las condiciones de mercado que prevalezcan y se centra en escenarios urbanos ricos compradores de arte boudoir los Ancien Régimen tabaco. Cultiva un estilo inspirado en los viejos maestros dominantes en las colecciones privadas de arte. El trabajo de Boilly hizo en los años antes de la Revolución son variaciones de un determinado directorio escenas que se caracterizan por un sentido de las diferencias sutiles y valores simbólicos.
's eventos radicales ocurrieron en 1789 también influyó en su arte. La categoría tradicional de los compradores ya no existe. Boilly se adapta a las nuevas condiciones y se centra en la pintura de retratos. Él encontró su lugar en la toma de retratos estandarizada pequeña (aproximadamente 22 x 17 cm), que se puede pintar de forma rápida y por lo tanto son asequibles para el comprador, es una idea exitosa coronado como Boilly cuenta y unos 5.000 de estos retratos de pequeño formato durante su vida.
reinado Mientras el régimen jacobino marcado por el terror, Boilly fue acusado en 1794 por Jean-Baptiste Wicar, también pintor, para corromper la moral pública por sus pinturas, critica actual y típico de este período. Pero en este caso, al contrario de lo que se dice comúnmente, Boilly en realidad no es tan víctima de las circunstancias. Este es el único en dar su opinión sobre las quejas presentadas a la misma. Su crítica se escucha y se le da la estima de los revolucionarios.
Boilly, sin embargo, no es revolucionario, pero tiene en cuenta la rentabilidad de la situación. Él sabe cómo sacar provecho de las nuevas oportunidades de negocio. Su espectro de los patrones de cambios de particulares a las escenas públicas, tocador con figuritas con diseños llenos de masas y la clase media burguesa de los pobres. Crea tablas sociales y políticas que contienen escenas cotidianas prestados que tematizan la decadencia moral de la época del Ejecutivo, sino que debe ser interpretado en el mismo tiempo tan ambivalente. Este trabajo es ciertamente difícil de vender, pero están expuestos y contribuir a ampliar aún más la Fama Boilly. . Él se gana la vida por sus retratos para alimentar a su familia de seis miembros
Desde 1824 Boilly terminó su carrera y se dedica exclusivamente a la gestión de sus finanzas a través de las hipotecas en 1829 y es no, como a menudo se concluyó antes de tiempo debido a la situación financiera desesperada, pero el interés en el mercado de inversión. Este comportamiento, una inusual priori, no constituye una excepción a una edad avanzada, Rubens También aceptamos órdenes grandes pero más dedicado a sus finanzas. Louis-Leopold Boilly fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1833.
Murió el 04 de enero 1845 en París.www.registre-des-arts.com
ResponderEliminarEgon Schiele
(Tullin, Austria, 1890 - Viena, 1918) Dibujante y pintor austriaco, una de las grandes figuras del expresionismo. Su existencia estuvo marcada por diversos sucesos de índole trágica: en su niñez perdió a su padre y más adelante vio morir a su esposa, embarazada de su primer hijo.
Considerado como uno de los dibujantes más dotados del siglo, sus primeras obras fueron deudoras de Gustav Klimt y del Jugendstil, aunque pronto afirmó un estilo personal de grafismo intenso y nervioso, de acusada sexualidad, que fue objeto de denuncia e incluso determinó su procesamiento y un breve período de reclusión en 1912.
La extremada elocuencia del descarnado expresionismo de Egon Schiele constituyó una bofetada a los ojos de la oficialidad de su época, al mismo tiempo que los cuerpos demacrados y el erotismo (a menudo rayano en la pornografía) que dominan su producción le valieron el desprecio y la incomprensión generalizados del público.
El abrazo (1917), de Egon Schiele
En El abrazo (1917), los cuerpos desnudos y deformes de la pareja de amantes se fusionan en un abrazo amoroso, intenso y desesperado. La figura del hombre no es otra que la del mismo pintor, quien, a lo largo de su breve pero intensa carrera, hizo de su propia persona el protagonista principal de su obra. La gama cromática, de tonos ocres, terrosos y amarillentos, es la habitual en las creaciones de esta tortuosa personalidad. Las duras críticas contra este género de imágenes de gran dureza visual no frenaron al artista, que prosiguió su labor en esta línea de explícito erotismo.
Pese a su muerte prematura, legó una obra relativamente abundante que expresa, de forma desgarradora, el sufrimiento humano. Se le asocia sobre todo con cuerpos desnudos (a veces autorretratos, como Con los dedos separados, 1911), de perfil muy marcado y carnes mortificadas, aunque también cultivó el paisajismo y el retrato convencional (Mujer con sombrero, 1910). En sus últimas obras, entre las que destaca La familia (1918), atenuó la violencia de su estilo.
Egon Schiele murió durante la devastadora epidemia de gripe de 1918, cuando comenzaba a alcanzar la celebridad. Sus creaciones, que gozan hoy de reconocimiento universal, constituyen una magnífica muestra del estilo expresionista.
www.biografiasyvidas.com
La iglesia de Ognissanti (“Todos los Santos”) de Florencia, se ubica en la Plaza del mismo nombre, situada en la orilla derecha del Arno, entre el puente a Carraia y el puente Amerigo Vespucci.
ResponderEliminarPiazza d´Ognissanti - Foto www borgognissanti net
La plaza fue creada en el siglo XIII para permitir la circulación de los fieles que asistían a los sermones de los Umiliati en la Iglesia de Todos los Santos. Incluso el nombre se remonta a este período, a pesar de que entre 1860-1930 se llamó la Piazza Manin.
La plaza también sufrió un cambio con la creación del Lungarno, que la amplió y regularizó.
A los lados de la plaza se encuentran el hotel Excelsior, el Palacio del Gran Hotel, el Palazzo Lenzi del siglo XV, que en la actualidad es la sede del Instituto francés de la Universidad de Grenoble y del Consulado de Francia.
A la izquierda de la fachada hay un campanario construido en los siglos XIII y XIV.
El centro de la plaza está dominado por una estatua de Romano Romanelli que representa a Hércules y el león (1935, colocado en 1937), que se caracteriza por un fuerte dinamismo. La estatua sustituyó un monumento a Daniele Manin de Urban Nono que hoy se encuentra en la plaza de Galileo en la zona de Arcetri.
Monumento "Hércules y el león", de Romano Romanelli
Piazza di Ognissanti - Foto www minube it
La Iglesia de Ognissanti es un templo franciscano, fundado a mediados del Siglo XIII por la orden laica de los Umiliati (la orden lombarda que llegó a Florencia en 1239).
La iglesia se dedicó a Todos los Santos Mártires, conocidos y desconocidos.
Se la puede visitar los días de la semana de 7,15 a 12,30 y de 16.00 a 20.00 hs., y los días feriados de 09,00 a 13,00 y de 16.00 a 20.00 hs.
Localización de la Chiesa d´Ognissanti en Florencia
La construcción de la iglesia, se inició en el año 1251 formaba parte de un complejo conventual de la orden de los Umiliati que, aunque su regla fue aprobada por el papa Honorio III, formaba parte de los movimientos de pobreza cercanos a la herejía. Los Umiliati se afirmaron como congregación laica masculina y femenina, dedicada a la perfección evangélica y a la pobreza, pero especialmente al trabajo, que era parte integrante de la vida de los religiosos, empeñados sobre todo en la elaboración de la lana y del cristal.
En Florencia los Umiliati se establecieron primero fuera de la ciudad, después dentro de la iglesia de Santa Lucía, extendiendo gradualmente sus propiedades hasta comprender un oratorio sobre la ciudad, donde hicieron construir su iglesia ad honorem Sanctorum Omnium y el convento; el complejo se terminó en 1260.
Los Umiliati fueron ganando reputación en Florencia, y comenzaron a acumular obras de arte en su sencilla iglesia.
Para el altar mayor Giotto pintó su celebrada Virgen y Niño con ángeles, hoy conservada en los Uffizi, alrededor de 1310.
Vigen y Niño con ángeles de Giotto
Galería degli Ufizzi - Florencia
Foto masarteaun blogspot com
En la sacristía se conservan otras obras góticas, como una Crucifixión al fresco de Taddeo Gaddi.
senderositalianos.com
San Agustín en su gabinete (en italiano, Sant'Agostino nello studio) es un cuadro del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Mide 152 cm de alto y 112 cm. de ancho. Es un fresco ejecutado en el año 1480 en la iglesia de Ognissanti en Florencia.
ResponderEliminarEl escudo de armas visible en la parte superior, en el centro del arquitrabe, es la de la familia Vespucci: se supone que la pintura fue un encargo del padre de Amerigo Vespucci. Esta obra le proporcionó renombre a Sandro Botticelli.
Los Umiliati, a quienes pertenece la iglesia de Ognissanti, adoptaron la regla de san Benito, que daba gran importancia al estudio. Por eso encargaron la representación de dos santos vinculados tradicionalmente al estudio: San Agustín y San Jerónimo. San Agustín fue pintado por Botticelli, mientras que San Jerónimo fue ejecutado por Domenico Ghirlandaio con una ambientación análoga. No obstante, la obra de Ghirlandaio es más convencional, mientras que la de Botticelli representa al santo filósofo como un hombre de pensamiento renacentista.
Se representa al santo meditando dentro de su gabinete o estudio. Es un tema conocido dentro de la iconografía cristiana. El santo está rodeado de libros e instrumentos de medición, así como una esfera armilar. Entre los libros se ve una mitra. Hay un reloj que marca la hora anterior a la puesta de sol, lo que indica que se estaría representando un relato de una epístola atribuida a este santo, en la que cuenta que a esa hora
"fue investido por la luz y oyó la voz de Jerónimo; sólo después supo que el santo se estaba muriendo"
"Botticelli", 2005
Esta representación del santo recuerda más bien a prototipos de la Antigüedad. Así, es un hombre de constitución fuerte enmarcado en una composición arquitectónica y unos muebles que evocan la Antigüedad clásica.
Hay un detalle de humor inesperado en esta obra. Las líneas en el libro encima de la cabeza del santo carecen casi de sentido. Sí que puede leerse una rima jocosa entre las figuras geométricas: Dov'è Frate Martino? È scappato. E dov'è andato? È fuor dalla Porta al Prato ("¿Dónde está fray Martino? Escapó. ¿Y dónde fue? Fuera de la Porta al Prato"), probablemente en referencia a las escapadas de uno de los monjes del convento de la iglesia.
Con el mismo tema hay otra obra, pintada una década más tarde, y que se conserva en la Galería de los Uffizi, versión al temple sobre tabla, de 41 x 27 cm, acabada entre 1490 y 1495. Según algunos historiadores de arte, se pintó para el convento de la iglesia de Santo Spirito.es.wikipedia.org