El sueño de la razón produce monstruos-Francisco de Goya y Lucientes
jueves, 20 de septiembre de 2012
GRAN PINTOR ESPAÑOL, FRANCISCO DE GOYA (1746-1828)
El sueño de la razón produce monstruos-Francisco de Goya y Lucientes
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Desconozco, si estas obras de Goya estarán en la muestra, las agregué porque son mis preferidas. Podría nombrar muchas otras como: El Coloso,1818 o, Mujeres en un balcón(1810-1815.Goya era un gran conocedor de la mejor tradición de la pintura española, que había producido a El Greco y a Velázquez. Los retratos de Goya, que le procuraron un lugar en la corte española recuerdan a los retratos de Van Dyck o los de Reynolds. La maestría con que evoca el brillo de la seda y del oro recuerdan a Tiziano o a Velázquez. Pero al mismo tiempo, mira a sus modelos con otros ojos, lo demuestra su pintura sobre Fernando VII. Parece no tener piedad, y hacía que sus rasgos se revelaran con toda su fealdad, vanidad y codicia. Al igual que Rembrandt, produjo un gran número de aguafuertes, la mayoría de ellos mediante una técnica nueva denominada aguatinta, la cual permite no sólo grabar las líneas, sino también modificar las manchas. Lo más sorprendente en las estampas de Goya es que no constituyen ilustraciones de ningún tema conocido. Muchas de ellas son visiones fantásticas de brujas y de apariciones espantosas.
ResponderEliminarAlgunas se consideran acusaciones contra los poderes de la estupidez y la reacción, de la opresión y la crueldad humana que observó Goya en España; otras parecen acabar de dar forma a las pesadillas del artista.
Pensaba Goya en la suerte de su país, oprimido por las guerras y la insensatez humana?
Creó imágenes a modos de poemas, pues fue éste el efecto más destacado de la ruptura de la tradición.A partir de Goya, los artistas pasaron a sentirse en libertad de plasmar sus visiones.
Fuente:E.H. Gombrich, "La Historia del arte".Phaidon
La obra de Goya "Los fusilamientos del 3 de mayo en la montaña del monte Pío,de 1814, es un óleo sobre lienzo, que podríamos afirmar que es la continuación de la obra: " El 2 de mayo de 1808 en Madrid: la carga de los mamelucos.". Esta terrible masacre tuvo lugar en distintos lugares , pero Goya recoge justamente la que se desarrolla en la montaña del Príncipe Pío, donde a las cuatro de la mañana caían, bajo la descarga de balas, cuarenta y tres patriotas. El relato contado por Trucha, servidor de Goya, es el que mejor describe la escena recogida por el pintor. Dice así: "En medio de charcos de sangre vimos una porción de cadáveres , unos boca abajo, otros boca arriba, éste en la postura del que estando arrodillado, besa la tierra, aquél con las manos levantadas al cielo pidiendo, pidiendo venganza o misericordia". Trucha acompañó a Goya al terrible lugar de los fusilamientos. Una vez allí, Goya, a la luz de la luna, tomó diversas notas en su cuaderno.
ResponderEliminarLa pincelada suelta sugiere la rapidez con la que debió ser ejecutada. El rostro del personaje revela gran angustia ,que se hace patente a través del arqueamiento de las cejas y de la posición de la boca inclinada hacia abajo. Al compañero que está junto a él se le nota más angustia si cabe, pues quizá sea el siguiente en morir. La postura de los soldados recuerda en cierto modo a la de los soldados del "Juramento de los Horacios" del pintor neoclásico francés Jaques- Louis David(1748-1825), que fue el artista oficial del gobierno revolucionario y diseñó los trajes y decorados para exposiciones propagandísticas como el Festival del Ser Supremo, en el que Robespierre ofició, constituyéndose en Sumo Sacerdote. Cuano Marat, fue asesinado en el baño por una joven fanática, David lo pintó como un mártir sacrificado.
Volviendo a Goya, El charco de sangre sobre el que yace uno de los fusilados, de un realismo increíble, está resuelto a través de pinceladas rápidas y de grueso empaste de tonalidades rojizas.
El personaje que hay justo al lado del protagonista, en segunda fila, tiene sus puños metidos en la boca, potenciando así el dolor y la angustia que caracteriza la obra.
Fuente: Museos del mundo-MADRID-Museo del Prado- La Nación-Argentina
(...)
ResponderEliminarEl tema de las mujeres al balcón es probable que esté inspirado en la obra de Murillo conocido como “Las Gallegas a la Ventana”, que en aquellos entonces se hallaba en una colección madrileña. Es un tema del siglo XVII presente en el Romancero Español de aquellos años, donde dos mujeres de mala vida se asoman al balcón de una casa o de una posada, y eran ilustraciones usadas para estos textos. Así Goya, en este momento de incertidumbre en su país, donde los franceses se han hecho con el poder, y él se ve dividido entre sus inclinaciones ilustradas representadas por este mundo francés, frente a su amor patrio y el sufrir de su pueblo; decide realizar varias obras de esta índole, marcadas por la galantería, y aparentemente alejadas de la critica social. A su vez, trata en esta obra un tema recurrente en su pintura, la representación de la mujer.
Teniendo en su trayectoria artística diferentes tratamientos hacia ellas, desde un tono íntimo como el visto en sus obras la Maja, desnuda y la Maja, vestida; hasta este, de carácter costumbrista ligado a la tradición del majismo; pasando por el usado para los cuadros familiares o los oficiales realizados para la corte. Sin embargo, a veces estas mujeres galantes y costumbristas tienen también otro simbolismo añadido, como puede ser el caso. Aprovecha estos temas alegres o tradicionales para exponer algún tipo de crítica o sátira social, que generalmente estaba relacionado con la presión o sometimiento a la que esta estaba sometida por la sociedad.
En conclusión, en esta obra Goya juega con las apariencias y la ambigüedad. Por un lado el tema galante cargado de alegría e ingenuidad, se alza para dar paso a una verdadera crítica social, denunciando la prostitución y la extorsión a la que estaban sometidas estas mujeres, controladas y utilizadas aquí por estos dos hombres que se hallan a sus espaldas. En resumen esta obra significa, como tantas otras, un momento clave en su trayectoria artística pero también dentro de su vida y pensamientos. Goya representaba el sentir del pueblo a través de su pintura, la alegría, el sufrimiento, la realidad, tal y como él la veía y sentía. En sus importantes obras de tema social, nuestro artista ataca sistemáticamente los problemas económicos, sociales y políticos más acuciantes de España, los vicios del hipócrita clero, la incultura de gran parte de la nobleza, la estúpida y bárbara represión inquisitorial, los excesos de la guerra y la violencia acontecida, la prostitución y la explotación de la mujer, el oscurantismo y la superstición imperante dentro de la sociedad. En estos trabajos Goya se muestra como un hombre ilustrado, amante de las libertades y autentico humanista, consciente de su entorno, comprometido con su pueblo y cercano a sus problemas. Del mismo modo goza de sus alegrías y comparte sus momentos de desinhibición y fiesta, plasmándolos también en su obra. Surgiendo así obras como estas, de bella manufactura y de profundo mensaje, todo ello envuelto en el mejor papel de regalo que Goya conocía, su pintura. Méritos que permiten alzarlo hoy al puesto de honor de la fecunda ilustración española, ganado con su pincel y con su incisiva pluma, a través de su obra plástica y de los acerados títulos con que bautizó sus creaciones gráficas.
No hay obra de Goya que no muestre su emoción creadora ante la realidad, en la que no se refleje la melancolía, la fuerza de aquel aragonés irascible y agudo llamado cordialmente por Don Ramón Gómez de la Serna como “Calavera gruñona de la verdad”.
Procedencia del texto:www.flickr.com
ResponderEliminarDetalle del estado de El Coloso, en el que la carestía de la guerra pudo impedir a Goya trabajar con los mejores materiales, según este nuevo estudio de Carlos Foradada
Rostro de El Coloso junto a una cabeza de "San Hermenegildo"
Imagen de toros y bueyes corriendo, bajo el detalle del cuadro
ABC
El anuncio de 2008, en el que el Prado afirmó que El Coloso era de Asensio Juliá
(...)Un nuevo estudio científico, que acaba de publicarse en la revista AACA digital, una publicación especializada de la crítica de arte, vuelve a impugnar la descatalogación de El Coloso en términos muy contundentes. Como se recordará, el célebre cuadro de las colecciones del Prado dejó de ser considerado un Goya en 2008, después de un anuncio oficial de la pinacoteca, que en un principio se lo atribuyó a Asensio Juliá, hipótesis que luego ha sido incapaz de mantener.
Utiliza bajo nueva luz todos los análisis realizados al cuadro
Ahora, un estudio científico que utiliza bajo nueva luz todos los análisis de materiales y pigmentos realizados a la obra, y que profundiza notablemente en las técnicas pictóricas del maestro aragonés, viene a proponer al Museo que revise su criterio. Pocas veces la decisión de un museo tan importante como el Prado había sido tan contestada en medios académicos. El nuevo estudio, que se suma a importantes aportaciones de Nigel Glendinning y Jesusa Vega, lo firma un estudioso de la obra del genial artista de Fuendetodos que a su vez es también pintor e historiador: Carlos Foradada. A él debemos (ABC 3-1-2011) la visión de las Pinturas Negras en su estado original, después del estudio que dedicó a las más tempranas imágenes de los murales que decoraban la Quinta del Sordo.(...) www.abc.es
ResponderEliminarEFE
17.03.2013
Los dibujos de artistas españoles conservados en el British Museum salen por primera vez del Reino Unido para exhibirse en la exposición que el Museo del Prado dedicará a estas obras de papel, desde el Renacimiento a Goya.
Esta colección está considerada como una de las mejores colecciones de dibujos españoles fuera de nuestras fronteras, por lo que supone una oportunidad única poder apreciar cómo plasmaron los artistas españoles su compromiso con el dibujo.
La muestra, patrocinada por los Amigos del Museo del Prado y que estará abierta del 20 marzo al 16 junio, tuvo su punto de partida en las salas del British Museum a finales del pasado año. La exposición llega a Madrid con notables variaciones manteniendo un discurso cronológico y por escuelas regionales.
Fruto de la afición de numerosos coleccionistas del siglo XIX
Fruto de la afición de numerosos coleccionistas que a lo largo del siglo XIX centraron su interés en el arte español, los dibujos han sido muy valorados en Gran Bretaña y se coleccionaban habitualmente.
El British Museum ha sido una de las pocas instituciones fuera de España que ha reunido una colección tan representativa de dibujos, que destacan además por su buen estado de conservación.
La primera parte de la exposición incluirá dibujos de artistas del siglo XVI que trabajaban en Castilla como Alonso Berruguete, junto con una selección de dibujos de italianos que fueron a trabajar a El Escorial.
Se expondrán, a continuación, los dibujos de los artistas más importantes del Siglo de Oro español, entre ellos Velázquez, Carducho, Herrera el Mozo y Francesco Rizi, en Madrid; Pacheco, Murillo y Alonso Cano, en Sevilla, y Ribera en el Nápoles español.
Finalmente, de los umbrales del siglo XVIII la exposición incluirá obras clave de Luis Paret y Alcázar, Goya y sus contemporáneos. Estas obras demostrarán el significativo auge del dibujo durante ese época, circunstancia que cambiaría para siempre el paisaje artístico español.
www.rtve.es
Este comentario ha sido eliminado por el autor.
ResponderEliminarLos hermanos, Jake y Dinos Chapman, Londres, 1966 y Dinos Londres 1962 realizan la instalación "Grandes hazañas con muertos" The Saatchi Gallery. En lo formal la obra es una representación literal de la obra de Goya, estampa 39 de" Los Desastres de la guerra"; en esta serie el pintor aragonés refleja los efectos de la invasión napoleónica en España. En 2003, los Chapman al extremos de adquirir una serie completa de grabados "para reelaborarlos y mejorarlos". Un proyecto no exento de polémicas. Los artista penetran en una nueva fase de la imaginación macabra. Las figuras son de resina sintética; la figura central se asimila a Cristo amarrado al tronco de un árbol, tras el que pende otro cuerpo colgado por las piernas (como alusión a la denigrante crucifixión de Pedro, el tercer cuerpo cuelga descuartizado de una rama a la derecha con el tronco invertido, claada la cabeza en otra rama y los dos brazos todavía maniatados.. Se ha dado a las figuras el aspecto de cuerpos andróginos, cuyos cabellos de mechas revueltas se parecen a los de los hermanos Chapman. Los tres han sido castrados. Parecía una simple provocación POP-ART, sin embargo, muta hacia la religiosidad.
ResponderEliminarY, unos artistas tratando este tema, me pregunto por qué, no lo pudieron imaginar de este modo? Después de todo, muchos mitos mitos y leyendas se han acoplado a la verdad y la han deformado. Los artistas quisieron romper con la tradición religiosa de tapar los órganos sexuales, y directamente lo cercenaron. Representan de forma perturbadora unos de los dilemas del cristianismo.
Fuente:Walter Schurian, "Arte Fantástico" www.taschen.com 2006